ROD@NDO -Blog de cine-

Trailer "Vicky Cristina Barcelona"

2008-05-17T16:24:00.003+02:00

Hoy mismo Woody Allen presenta en el Festival de Cannes su última película, "Vicky, Cristina, Barcelona". Y ya podemos ver el trailer de esta nueva ración de líos amorosos protagonizada por Javier Bardem, Penélope Cruz, Scarlett Johansson y Rebeca Hall.

Unas imágenes, sin diálogos, que muestran algunas pinceladas de la ciudad de Barcelona y algunos apuntes de lo que podrían ser escenas de alto voltaje, en las que Javier Bardem despertará las envidias de más de un espectador. Bardem interpreta a un pintor que mantiene relaciones con dos turistas americanas, bajo la celosa mirada de su ex novia (Penélope Cruz).

A destacar como punto débil (a parte del título de la película) las pocas pistas que se dan sobre el argumento y una música de fondo que poco tiene que ver con el estilo de Allen, ya que sus historias suelen sonar a jazz.

Fotos de Vicky Cristina Barcelona en Cinempatia

Un funeral de muerte (Crítica DVD)

2008-02-25T21:41:00.009+01:00

De risas en el velatorio

Parece realmente difícil no caer en la banalidad o en la falta de sensibilidad a la hora de retratar de manera cómica ciertas situaciones delicadas como lo puede ser la muerte.

Pero el director inglés Frank Oz consigue en Un funeral de muerte romper tabúes y desternillarnos de risa asistiendo a situaciones inoportunas o que nos hacen sentir incómodos, como los funerales. Toda la película gira alrededor del funeral del cabeza de familia, un momento que destapará la caja de Pandora y se desatará una tormenta de enredos imparable en toda la familia.

Dejando a un lado la hipocresía e idealizaciones propias de los momentos solemnes, la historia ofrece una mirada humana y sincera de la muerte y de todo el ritual que la acompaña, sin cortarse un pelo en la ridiculización de situaciones que supuestamente se nos presentan con un tono de solemnidad, como la escena de la lectura del discurso en honor al difunto.

La transición de drama a comedia es drástica, pero efectiva. El director nos transporta desde situaciones con una gran carga emocional al momento más ridículo de una manera repentina pero que no se nos antoja forzada.

Una colección de momentos tensos que estallan en situaciones absurdas que provocan sonoras carcajadas. Y una película perfectamente coral en la que cada personaje tiene su protagonismo aunque destacable por histriónica la genial interpretación del personaje que se excede con las drogas, interpretado por el actor Alan Tudik.

En definitiva, unas buenas dosis de humor inglés, ácido, negro, pero con el que pueden disfrutar todos los públicos.

Retrato de una obsesión (Estrenos DVD)

2008-01-16T16:21:00.000+01:00

El encanto de lo extraño

Retrato de una obsesión (FUR, An imaginary portrait of Diane Arbus) es un esbozo de la vida de una de las mejores fotógrafas del siglo XX, Diane Arbus, que se hizo famosa por su atracción por lo excéntrico, plasmada en su obra fotográfica. Enanos, travestis, personajes peculiares por su aspecto, llamaban poderosamente la atención del objetivo de la fotógrafa estadounidense.

El director Steven Shainberg eligió acertadamente como protagonista de la historia a Nicole Kidman, quien vuelve a fascinarnos -como lo hizo en Los Otros- con una mirada entre aterrada y fascinada mientras recorre las habitaciones de Lionel (un irreconocible Robert Downey JR), su vecino enfermo (¿) de hipertricosis (transtorno caracterizado por un exceso de cabello); quien la atraerá irremediablemente y la ayudará a liberarse y encontrarse con su verdadera personalidad.

Con una mirada de niña extraviada en la que se mezclan temor y curiosidad por lo desconocido, como una réplica de Alicia en el País de las Maravillas, la fotógrafa descubre un mundo extraño y fascinante a la vez en el que se ve presa.

Más que de una obsesión, la película es el retrato del despertar de la personalidad de una mujer estancada en su tediosa y reprimida cotidianidad. El despertar de la creatividad, de la sexualidad libre de prejuicios y sobretodo de la conciencia de que existen otras realidades que salen de lo habitual pero de una extraña y atrayente belleza.

Lo mejor: la originalidad en cuanto a la temática y su planteamiento visual

Lo peor: los altibajos de guión y su excesiva duración

Cassandra's Dream. El sueño de Cassandra (Trailer)

2007-10-06T11:51:00.000+02:00

Se acerca el estreno (26 de Octubre) de la última producción de Woody Allen, El sueño de Cassandra, y ya podemos ver el trailer.

Como ya avanzamos hace un tiempo, Cassandra's Dream es el drama de dos hermanos interpretados por Ewan McGregor y Colin Farrell que sufren problemas económicos y cuya situación se agrava con la aparición de su tío (Tom Wilkinson), quien les incitará a actuar al margen de lo que permite la ley para conseguir mejorar su situación finaciera. Pero, como no podría ser de otra manera en una película de Allen, se cruza en su camino una joven actriz (la casi desconocida Hayley Atwell) para complicarles aún más la existencia.

Por lo que he leído, los que la han visto en el estreno de Avilés destacan su profunda tristeza y como tema interesante de la película el de la moral y sus límites, la factura ética que tenemos que pagar por conseguir algunos de nuestros deseos y la diferente forma que tenemos cada uno subjetivamente de calificar nuestros propios actos y los de los demás.

Como curiosidad, la banda sonora original viene a cargo del compositor estadounidense Philip Glass, responsable de la música de El ilusionista y Diario de un escándalo.

Aunque la película se estrenó en el Festival de Venecia con críticas más bien tibias, esperemos que el director vuelva a situarse, como mínimo, en el nivel de Match Point. Almenos, el trailer parece esperanzador...

Nace Cinempatía: LA WEB DE CINE

2007-09-30T14:42:00.000+02:00

Después de nueve meses de gestación en formato blog, Cinempatía se nos ha hecho mayor y se ha convertido en una completa web sobre cine en la que podréis encontrar cualquier tipo de información sobre nuestro querido séptimo arte.

Con actualización diaria (igual que los blogs), la web estará cargadita de noticias, avances de películas (vídeos, trailers, primeras fotografías), críticas de los estrenos del momento, críticas de películas en dvd, una sección de televisión (comentario de series y programas) y otra de reportajes y curiosidades cinéfilas que hemos llamado Cinempatías.

Lo interesante de la web es la cantidad de voces distintas con las que contamos porque casi llegamos a la veintena de colaboradores, muchos de ellos conocidos en el mundo de la blogosfera cinéfila. Además, destacar que la participación de los lectores será uno de los puntos fuertes de la web, porque se pueden dejar comentarios en los artículos, participar en el ranking de películas más valoradas, e incluso poner a prueba los conocimientos cinéfilos con un juego de preguntas sobre cine.

¿A qué esperas para visitar la nueva web? Dáte una vuelta por Cinempatía

Libros de Cine: La Anarquía de Allen

2007-09-24T18:21:00.000+02:00

Después de 25 años sin escribir relatos, el director neoyorkino Woody Allen ha publicado Pura Anarquía, un libro de relatos humorísticos (editorial Tusquets) en el -como viene siendo habitual en sus escritos- el director "saca punta" a todo lo que se le pasa por la mente.

A modo de ácidos monólogos, Allen ha escrito 18 historias de temáticas tan dispares como la alta cocina, los problemas domésticos, los detectives privados o las guarderías. Y no podía faltar la figura del psiquiatra, que en este caso acaba con la salud mental tan perjudicada como la de sus pacientes.

La ironía de Allen no deja al margen los temas más serios, se atreve hasta a bromear con la pena de muerte: "los estudios demuestran que la probabilidad de que los criminales reincidan se reduce casi a a la mitad después de la ejecución". Y es que como decía el escritor Bernard de Fontenelle, mejor no nos tomemos la vida demasiado en serio; de todos modos nadie sale vivo de ésta...

Pura Anarquía en Tusquets Editores.

Podéis leer dos fragmentos del libro en El País: Tirar demasiado de la cuerda y Así comió Zaratrusta.

En la ciudad de Sylvia (trailer)

2007-09-14T21:06:00.000+02:00

Los que odien el género musical y no quieran ver a John Travolta en Hairspray y les de alergia ver a la (cada vez menos) voluptuosa Angelina Jolie en la nueva de Michael Winterbotton (Un corazón invencible) pueden decantarse esta semana por otra propuesta distinta.

En la ciudad de Sylvia es un drama protagonizado por Pilar López de Ayala y el francés Xavier Laffite que ha sido dirigido por José Luis Guerín, creador de la película-documental En construcción. Según el director, la película nace del deseo de reivindicar la sencillez, la naturalidad en el cine.

De ahí lo escueto del argumento, del que sólo sabemos que trata la historia de un joven que regresa a la ciudad de Estrasburgo para buscar a una chica de la que se encaprichó tras verla en un café años atrás. Un espiral de búsqueda que le conduce a otra mujer, ésta a otra, y así sucesivamente. El director nos presenta una película en la que el guión promete ser casi tan sobrio como el trailer ya que por lo visto la película tiene muy pocos diálogos. Más que de palabras, es una historia de miradas y silencios. Veremos si es posible conseguir esa pretendida naturalidad con ausencia de palabras o si resulta artificiosa…

Lo que sí es destacable es que esta sugerente propuesta fue la única representante española en la pasada edición del Festival de cine de Venecia y dividió a la crítica.

Trailer de En la ciudad de Sylvia

Todos los estrenos de la semana en Cinempatía

Razones para ver: "Cuatro bodas y un funeral"

2007-08-31T13:26:00.000+02:00

1- Porque es el paradigma de las comedias románticas (se estrenó en el año 1993), el modelo que han seguido todas (y algunas han devaluado) las comedias románticas posteriores hasta la actualidad.

2- Aunque el argumento es previsible sólo con la lectura del título (la historia del soltero con alergia al compromiso encarnado por un jovencísimo Hugh Grant que se enamora perdidamente de una inaccesible Andie McDowell se estructura en la recreación de cuatro bodas y el funeral de uno de los personajes (es fácil adivinar cúal será la siguiente boda). Como buena película coral, la importancia no es tanta la intriga de lo que ocurrirá y en la sorpresa argumental (casi nula) sino en cómo se desarrollan las relaciones entre los personajes y cómo evolucionan psicológicamente cada uno de ellos, dejando a un lado sus miedos y limitaciones.)

3- Porque todos podemos sentirnos identificados con los dilemas emocionales universales que plantean los personajes: el miedo al compromiso, el pensar en conformarse con una vida cómoda con alguien que nos aprecie aunque no sea la persona especial que esperábamos, el sufrimiento de los amores no correspondidos, el miedo a quedarnos solos sin nadie con quien compartir nuestra vida...

4- Porque viéndola, la diversión está asegurada. La historia es una sucesión de situaciones surrealistas (aunque de lo más cotidianas) y desternillantes, como la escena en la que se le traba la lengua al cura novato en una de las bodas, o los momentos en los que se ponen a los personajes en situaciones comprometidas o ridículas.

5- Porque viéndola se toma conciencia de que en asuntos sentimentales hay que actuar sin pensar en lo que ocurrirá porque si no se puede perder más de una oportunidad... O "ganar" más de una boda sin futuro...

6- Mención aparte merece la B.S.O, Love is all around, interpretada por la banda Wet wet wet, basada en la canción original de The Troggs de 1967. Os dejo con el clip:

Nota: El director de Cuatro bodas y un funeral, Mike Newell, ha dirigido la adaptación al cine de la novela El amor en los tiempos de cólera de Gabriel García Márquez, protagonizada por Javier Bardem; que se estrenará en Estados Unidos el próximo noviembre (a saber cúando llegará a España)

Trailer y Póster de Caótica Ana

2007-08-11T14:08:00.000+02:00

Después de tres años de trabajo, Julio Medem estrenará el 24 de agosto Caótica Ana, una vuelta a la ficción tras el polémico documental La pelota vasca. Éste, su séptimo largometraje, recrea la vida de una joven, Ana, que se está inmersa en un caos emocional provocado por la certeza de que su existencia está íntimamente relacionada con las vidas de otras mujeres. Jóvenes que murieron a los 22 años y que viven en su inconsciente. Unas sesiones de hipnosis le valdrán a Ana para conocer su conexión con la vida de esas mujeres, todas ellas fallecidas en extrañas circunstancias.

Médem ha confiado para el papel protagonista en una actriz novel, Manuela Vellés, quien sorprendentemente fue seleccionada por el director para su película una semana después de ingresar en la escuela de interpretación. A Vellés la acompañan actores más conocidos como la cantante Bebe y Lluís Homar.

Caótica Ana es un retrato de la evolución de la protagonista desde los 18 años a los 22, un viaje temporal y emocional, que se ha convertido en la película más cara hasta la fecha del director -cinco millones de euros de presupuesto- y tiene como escenario parajes tan distintos y evocadores como Fuerteventura, Madrid, Arizona, Ibiza o Nueva York. En palabras de su director: “Caótica Ana es una historia contra la tragedia, conducida por la fuerza del optimismo y la necesidad de ser feliz de su protagonista". Mientras llega la fecha del estreno os dejo con el intrigante trailer:

Trailer de Caótica Ana

Estrenos de la semana, entre rejas

2007-07-22T14:22:00.000+02:00

Entre tantas superproducciones y secuelas varias, es de agradecer que aparezca de vez en cuando una película modesta, pero de las que calan hondo en la memoria. Éste podría ser el caso de Cuatro minutos, (Vier Minuten), una película de origen alemán que cuenta la historia de una anciana pianista profesora de música en una cárcel, quien tras descubrir el talento musical de una joven presa, decide presentarla a un concurso para jóvenes promesas.

Alumna y profesora no tienen aparentemente nada en común pero durante el trabajo en equipo aprenden a conocerse y entenderse. El argumento no es el colmo de la originalidad pero parece ser de ese tipo de películas de conflictos entre personalidades que se nos vuelven tan cercanas y con las que nos resulta fácil empatizar.

Cuatro minutos, dirigida por el alemán Chris Kraus, ha triunfado en diversos festivales internacionales y puede verse en los cines españoles desde el pasado viernes día 20. Esta semana también se ha estrenado el documental Septiembres, del director catalán Carles Bosch (Balseros), otra historia de encuentros y desencuentros ambientada en una prisión madrileña.

Otros estrenos más ligeros son la disparatada comedia vacacional Atasco en la Nacional, de Josetxo San Mateo, la aventura de vikingos El Guía del Desfiladero, dirigida por Marcus Nispel (creador de La Matanza de Texas en el año 2004), Next, acción con tintes sobrenaturales con Nicholas Cage y Jessica Biel, y Patinazo a la Gloria, de Josh Gordon.

El atardecer ("Evening")

2007-07-14T11:45:00.000+02:00

Aunque sea lo que más venda, no sólo de cine de terror vive el cine asiático. Dentro de unos meses se estrenará El atardecer (Evening), drama que explora el presente y pasado emocional de Ann Grant, una madre que en la recta final de su vida contará a sus hijas Constance y Nine los momentos que han marcado su existencia, sobre todo la relación que mantuvo con un hombre, Harry, a quien nunca dejó de amar desde su juventud. La confesión de esta relación por parte de Ann ayudará a las hijas a conocer realmente a su madre, al descubrir una parte fundamental de su vida.

Michael Cunningham, director de Las horas (The hours) se ha encargado del guión de la película, dirigida por el asiático Lajos Koltai, quien fue nominado para un Óscar en 2001 por su trabajo en la película Malena.

Glenn Close, Tony Collete, Meryl Streep, Claire Daines interpretarán a las mujeres que se redescubrirán en una historia en la que los recuerdos son la base para reconstruir la propia identidad.

El atardecer se estrenará en los cines españoles el próximo 11 de octubre.

Trailer en Youtube

Página Oficial de la película.

DESCONECTADA

2007-06-14T12:02:00.000+02:00

No penséis que me he ido de crucero al Caribe o me ha tocado la lotería y he decidido empezar una vida sabática (ya me gustaría a mí).

El motivo del título es que me veo obligada a permanecer un tiempo sin Internet, no sé cuánto, espero que sean pocos días. Todo depende de que se arreglen unos problemas de conexión de la compañía con la que contraté el ADSL.

Por eso, hasta que mi conexión se normalice me será imposible publicar regularmente en el blog. Si puedo hacerme con algún otro ordenador, algún post caerá, se hará lo que se pueda... Pero para que nos aburráis con la espera, os recuerdo que Cinempatía sigue al pie del cañón publicando cada día noticias frescas de cine (y mucho más) ¡Ya tardáis en pasaros! ;-)

¡Hasta pronto!

Intuiciones

2007-06-11T14:41:00.000+02:00

El prodigioso Grenouille se huele que será un éxito...

Muy pronto, estreno en vuestros monitores...

Cassandra's Dream y Midnight in Barcelona. Lo último de Woody Allen

2007-06-01T19:57:00.000+02:00

Hará un par de semanas que ya pudimos ver las primeras imágenes de la nueva creación del neoyorkino Woody Allen, Cassandra’s Dream (El sueño de Casandra). Esta vez Allen ha prescindido de la que parecía su nueva musa, Scarlett Johanson, y ha escogido a una actriz teatral experimentada, Hayley Atwell, para interpretar a la voz femenina de su película.

El director vuelve ubicar su creación en Londres, de la misma forma en que lo hizo en sus últimas películas (Match Point y Scoop). Cassandra’s Dream cuenta la historia de dos hermanos londinenses, Ewan McGregor y Colin Farrell, que se verán enfrentados e involucrados en un crimen por culpa de una mujer recién llegada a la capital londinese que les seduce ambos.

El estreno en Estados Unidos es el próximo día 5 de Octubre, por lo que se esperaba un estreno hacia finales de este año pero estos días nos ha llegado la noticia de que Allen ha escogido la ciudad asturiana de Avilés para el estreno en España de la película, que tendrá lugar el día 18 de junio. (Puedes ver más imágenes en Cinempatia)

Actualizado: El estreno en las carteleras españolas será el 26 de octubre, aunque en Avilés se estrenará en junio.

Midnight in Barcelona

Desde hace un tiempo sabíamos que Woody Allen tenía pensado rodar en Barcelona pero que las negociaciones se habían retrasado y hoy hemos conocido el título de la nueva película, que toma como referencia a la ciudad: Midnight in Barcelona.

Lo nuevo de Woody Allen es una comedia romántica muy al estilo alleniano que cuenta la historia de un hombre -al que interpreta Javier Bardem- que se ve envuelto en un lío amoroso con nada menos que tres mujeres: los personajes que darán vida Scarlett Johansson, Penélope Cruz y Rebecca Hall. Entre tanta estrella, también ha tenido cabida la presencia de actores catalanes como Joan Pera, Abel Folk, Lloll Bertrán y Joel Joan.

Midnight in Barcelona se estrenará en 2008. Mientras llega la fecha, podremos ver muy pronto en nuestras pantallas Cassandra’s Dream.

Cashback, del corto a la película

2007-05-28T11:42:00.000+02:00

El sugerente poster pertenece a la película británica Cashback, dirigida por Sean Ellis e inspirada o desarrollada a partir de un corto homónimo del mismo director que estuvo nominado a los Oscars en la gala de 2005 y ganó numerosos festivales independientes.

La película explica al historia de un estudiante de arte británico, Ben Willis, quien después de una ruptura sufre insomnio. Para aprovechar ese tiempo perdio empieza a trabajar en un supermercado en el turno de noche. Allí conocerá a una serie de personajes, cada uno con una forma diferente de esquivar el aburrimiento durante las ocho horas laborales. Pero lo inusual de la historia es el don que tiene Ben para ver belleza en todo aquello que le rodea. El director, Sean Ellis, es conocido por su faceta como fotógrafo en revistas de moda, de ahí que no sea extraño el cuidadoso tratamiento estético que se intuye en el trailer de la película.

Cashback, la película, aunque es se pudo ver en el Festival de Cine de San Sebastián del año pasado, todavía no tiene fecha de estreno en los cines españoles pero mientras llega a las carteleras podemos contentarnos con un par de aperitivos: el corto y el trailer de la película. Veremos si la película supera el original...

Trailer de la película Cashback

Corto en inglés, subtitulado en francés.

Crítica: "La fuente de la vida"

2007-05-22T17:11:00.000+02:00

Misticismo visual

¿Qué pasaría si pudieras vivir siempre? ¿Qué pasaría si pudieras amar eternamente? Éstos interrogantes se plantean en La fuente de la vida (The Fountain), la esperadísima tercera creación de Darren Aronofsky que ha sido criticada y alabada y a partes iguales: unos la critican por su excesivo lirismo y su laberíntica puesta en escena mientras otros agradecen al director su valentía por presentar una arriesgadísima propuesta personal.

La fuente de la vida trata sobre la muerte, sobre la inevitabilidad de huir de ella, sobre la fragilidad de la existencia humana, y en esencia, sobre el amor. El protagonista se mueve en una angustiosa lucha entre la aceptación y la negación de la muerte. Se entremezclan además de multitud de temas, varios géneros como la ciencia ficción, el drama, el romance y la acción.

Aronofsky desarrolla tres historias paralelas pero íntimamente relacionadas. Hugh Jackman, el lobezno de X-men y Raquel Weisz, esposa del director, interpretan magistralmente a los personajes de los tres relatos: el primero protagonizado por un conquistador del siglo XVI, otro sobre un personaje que vive en el futuro siglo XXVI y el del científico Tom, obsesionado por encontrar un remedio para sanar a su esposa Izzy enferma de cáncer. Historias de tiempos distintos (presente, pasado y futuro) que se superponen, aunque la del presente es el eje de la película puesto que el resto forman parte de la ficción, de la imaginación de los protagonistas. Igual que Izzy imagina en su libro a su marido en la historia del pasado como un conquistador en busca la fuente de la vida, él se imagina en las escenas del futuro esperando alcanzar la vida eterna.

La pareja afronta el fin de la existencia de diferente manera. Mientras Tom se empecina en burlar a la muerte y hace todo lo que está en su mano para lograrlo (realiza investigaciones contra el cáncer), su mujer se muestra serena y la acepta como una parte más de la vida. Pero es complicado aceptar la muerte de alguien a quien amas, y él empieza negando lo evidente hasta que se da cuenta de que su búsqueda de la inmortalidad es vana.

Pero lo que quizá llama más la atención de la película es su puesta en escena y el clima emocional en el que nos sumerge. Seis años le llevó al director culminar su proyecto. No en vano destaca el gran trabajo de realización en el que todos los planos están calculados al milímetro y las tres historias se entremezclan con fluidez, sin artificialidad. Todo está interconectado, tanto narrativamente como a nivel visual, gracias a la colorista fotografía de Matthew Libatique y la inquietante banda sonora a cargo de Clint Mansell. Los planos que recrean las imágenes del personaje que vive en el futuro son las que demuestran la mayor creatividad del cineasta. Un sabio ejercicio de poesía visual muy alejado del realismo hiriente de Réquiem por un sueño o Pi.

La originalidad de la película reside en que se muestran sentimientos universales habitualmente tratados, pero esta vez, de forma visualmente distinta. Una creación personal de múltiples lecturas que corre el riesgo de la incomprensión pero no deja de ser admirable por su belleza visual, el estado anímico al que nos transporta, la valentía de experimentación del director y su alejamiento de los convencionalismos formales.

Recomendada para los que creen en la perpetuidad del amor y los que disfrutan con las explosiones visuales cargadas de sentido

Valoración:

Crítica DVD: "Una casa en el fin del mundo"

2007-05-14T09:09:00.001+02:00

Bobby Morrow perdió la inocencia muy pronto. A los nueve años ya conoció las drogas, el sexo y las fiestas de adultos de la mano de su cómplice hermano adolescente. La suerte tampoco lo acompañó al principio de su vida puesto que perdió a toda su familia cuando estaba a las puertas de la adolescencia. Una casa en el fin del mundo narra la vida de Bobby, un niño sin familia que es acogido por los padres de su amigo Jonathan Glover cuando le faltan sus familiares más próximos y que luego debe enfrentarse solo a la vida.

Porque llega el momento en que las vidas de los dos amigos toman rumbos distintos, aunque años más tarde vuelven a verse e incluso convivir juntos en un piso compartido con Clare, una excéntrica mujer. La relación entre los amigos se ve afectada desde el momento en que Bobby y Clare se convierten en pareja ya que Jonathan se sentirá lógicamente desplazado. El hecho de que los dos amigos hayan mantenido una extraña relación sexual en su adolescencia aumenta los celos que siente Jonathan al verlos. Y no estará dispuesto a dejarlos convivir sin contar con él, por lo que se compran una casa para vivir todos juntos igual que si fueran un matrimonio convencional, pero con la peculiaridad de que son una pareja de tres.

Lo que prometía ser una relación interesante -el trío conformado por los dos hombres protagonistas y la chica- se vuelve insulsa, sin llevar a ninguna parte. Un trío sentimental más que sexual, que al ser algo poco común, casi surrealista, es interesante por su alejamiento de los convencionalismos, pero resulta a la vez totalmente inverosímil.

Una casa en el fin del mundo es la primera incursión en el cine de Michael Mayer, director de teatro y en esta ocasión ha adaptado la novela homónima del novelista estadounidense Michael Cunningham, ganador del Premio Pulitzer de 1999 por la obra Las Horas (The hours). No es extraño pues que, con estos orígenes teatrales, se note el esmero del director entorno al trabajo actoral. Pero las interpretaciones (sobretodo la de Collin Farrel en su papel de chico inocente y confundido) convencen, pero no lo son todo. El guión es fallido, las escenas no están nada compensadas: o son una sucesión de momentos tórridos entre los protagonistas o son una simple sucesión de momentos cotidianos sin ningún interés especial, por lo que provocan el aburrimiento de quien la está viendo. Ésto es lo que ocurre cuando se confunde el cine independiente con el hecho de mostrar retazos de vidas al azar, sin ninguna justificación.

Son de aquellas películas en las que te da la sensación de que no ocurre nada, pero con la diferencia en que en ésta no se profundiza en la vida de los personajes si no que únicamente se muestra unos retazos de su existencia vital, que perfectamente podían haber sido otros.

Valoración:

Crítica: "Sunshine"

2007-05-07T18:13:00.000+02:00

Nada nuevo bajo el sol

El sol está a punto de morir y la raza humana se extinguirá con él. Un grupo de científicos intentan remediar la implacable catástrofe embarcándose en una misión espacial. En el cohete viajan ocho hombres y una mujer que intentarán devolverle la vida al sol. Si lo consiguen, habrán salvado a la humanidad de la inevitable destrucción.

Pero no es misión fácil: durante la historia los tripulantes de la nave se ven obligados a tomar duras elecciones, se ven inmersos en una serie de dilemas morales que resuelven tomando decisiones arriesgadas, cuyas consecuencias pueden ser fatídicas no sólo para ellos sino también para el resto de la humanidad. Éste es quizá uno de los puntos más interesantes de la cinta porque es un ejercicio de reflexión sobre las encrucijadas en las que de una forma u otra nos encontramos en la vida y nuestra manera de reaccionar frente a ellas.

A nivel argumental, a la película le falta calidad y originalidad. El guión es bastante ambiguo: tan pronto algún personaje explica innecesariamente con pelos y señales lo que ocurre, como de repente el espectador se encuentra en la incertidumbre de no enterarse de lo que ha pasado justo unos minutos antes. Los diálogos son simplistas pero con un aire de pretencioso o grandilocuente que le resta toda credibilidad a la historia.

Otro punto débil a destacar es la inexistente profundización psicológica de los personajes. Quizá la ciencia ficción no sea el género más indicado para una observación intensa de las relaciones que se establecen entre los personajes. Pero de todas formas se echa de menos una cierta recreación, por lo menos, un breve acercamiento a la psicología de los personajes que facilitaría que el espectador lograse llegar a sentir un mínimo de empatía con los mismos. Mención aparte merece la última media hora, en la que todo se resuelve de forma repentina y fuera de toda lógica.

En lo que sí hay que felicitar al director de Transpoitting (Danny Boyle) es en el gran espectáculo visual que podemos disfrutar durante el visionado de la película. Algunas escenas en las que los personajes se quedan fascinados frente a los rayos anaranjados que emite el sol mientras suena una inquietante música, casi llegan a adquirir un tono poético, si no fuera por el tono frío y aséptico que desprenden las interpretaciones.

En resumen: una aventura de fondo casi hueco que únicamente se salva por sus excelentes efectos especiales.

Recomendada para los que disfrutan dejándose embelesar por atmósferas futuristas y ambiguas

Valoración:

El lado oscuro del hombre araña, traiciones, obsesiones artísticas y demás estrenos

2007-05-04T16:27:00.000+02:00

Spider-man 3 Sin lugar a dudas, el estreno más esperado de la semana (y probablemente del mes) es el que nos cuenta las aventuras del arácnido más conocido de todos los tiempos. En esta tercera entrega, el hombre araña saca a relucir su lado más oscuro y se enfrenta al enemigo más duro donde los haya, puesto que la mayor batalla que el arácnido Peter Parker tendrá que librar esta vez es nada más y nada menos que contra si mismo. Bajo la influencia del traje negro que luce Peter en esta nueva historia, aparecen sentimientos contra los que tendrá que luchar: como el orgullo, el exceso de confianza y un desprecio a aquellos que se preocupan por él, como su novia.

Aparte del reto de reencontrarse consigo mismo, el hombre araña deberá enfrentarse a dos de los más temidos villanos: Hombre de Arena y Venom, quienes vendrán en su busca con sed de venganza. Si no lo habéis hecho ya, podéis ver un vídeo que publicamos el mes pasado en Cinempatia en el que se desvelan más detalles sobre la nueva película de Sam Reimi: Spiderman 3: Detrás de las cámaras. Tampoco os perdáis los carteles taiwaneses de la película del siguiente enlace: Carteles taiwaneses de Spiderman-3 FICHA DE LA PELÍCULA

Retrato de una obsesión (”FUR”, título original) Nicole Kidman se ve presa de una obsesión artística que la atormenta en la nueva película del casi debutante Steven Shainberg (sólo se le conoce como director en “Secretary”) inspirada en el libro “Diane Arbus: A biography” de Patricia Bosworth. Pero aunque esté inspirada en ese libro no es una biografía al uso. “Retrato de una obsesión” es el homenaje a Diane Arbus, una artista subversiva que desmontó los tópicos de la época sobre la belleza y la fealdad y revolucionó el campo de la fotografía experimentando técnicamente en ella. FICHA DE LA PELÍCULA

Verdades ocultas es un thriller ambientado a comienzos de los ochenta y protagonizado por el reciente ganador del Oscar a mejor intérprete masculino Forest Whitaker, premiado por su actuación en “El último rey de Escocia”, que en esta nueva película interpreta a Holt, un investigador de una agencia de seguros que viaja a un pueblo de Minnesota para investigar la muerte de un estafador, aparentemente fallecido en un accidente de coche. Holt no está seguro de que el cadáver aparecido sea el del estafador e investigará hasta averiguarlo. FICHA DE LA PELÍCULA

¿Quién dice que es fácil? Y desde Argentina, de la mano del director de la comedia “No sos vos soy yo” y con el mismo protagonista que la anterior (Diego Peretti), llega otra comedia dramática del estilo al que tan bien nos tienen tan acostumbrados los del otro lado del charco. Se trata de la típica historia de una pareja con carácteres opuestos que, pese a las dificultades intentan, estar juntos. Aunque el hecho de que la chica luzca un embarazo con padre desconocido no ayudará mucho a mejorar su convivencia, más bien la empeorará. FICHA DE LA PELÍCULA

Ésta es una selección de los estrenos destacados de la semana, si quieres conocer todas las películas que se estrenan hoy visita:

La campana de cristal, de la escritora Sylvia Plath, al cine

2007-04-28T14:31:00.000+02:00

La actriz Julia Stiles protagoniza la adaptación de una de las novelas más conocidas de la depresiva escritora Sylvia Plath. En la película semi-biográfica 'The Bell Jar' ("La campana de cristal") veremos a la escritora transformada en el personaje de la joven Esther Greenwood, una joven reportera que viaja a Nueva York en busca de fama y reconocimiento, pero cuya depresión le hace volver a Boston. Es la vida de una chica con problemas psicológicos que le conducen a un deterioro mental hasta el punto de intentar quitarse la vida en varias ocasiones.

Pero ésta no es la primera película que se rueda sobre la atormentada escritora. En 2003 Gwyneth Paltrow encarnó a la escritora en el biopic "Sylvia" de Christine Jeffs.

El rodaje de la película comenzará a principios del próximo año y será la dramaturga y guionista Tristine Skyler quien se encargará de adaptar la novela en que se basa el film.

La protagonista, Julia Stiles, conocida por su participación en "El mito de Bourne" (de Paul Greengrass) recientemente ha debutado como directora y guionista con el cortometraje 'Raving', basado en un artículo de la revista Elle.

Crítica: Juegos secretos ("Little children")

2007-04-23T10:03:00.000+02:00

Perdidos
en la inmadurez

Bajo la tranquila apariencia de un barrio residencial norteamericano cualquiera, en el que las madres no tienen más preocupaciones que acordarse de llevar la merienda de sus niños cuando van con ellos al parque, escondidos en el sustrato más oculto de las relaciones matrimoniales de parejas aparentemente bien avenidas, encontramos deseos, frustraciones e inseguridades que gobernarán las vidas de los personajes que protagonizan Juegos secretos ("Little Children").

En ese barrio residencial cualquiera, los relojes avanzan a un ritmo excesivamente lento. O almenos así lo percibe Sarah, personaje interpretado por Kate Winslet, una mujer joven que ve como su vida pasa con la mayor monotonía imaginable, inmersa en un matrimonio infeliz, hasta que conoce a un joven padre que llama la atención de todas las madres del barrio. Sarah y Brad se conocen de manera inesperada y divertida en el parque donde suelen llevar a sus niños. Ambos están casados con sus respectivas parejas pero la insatisfacción de ella en su matrimonio y la inmadurez de él les conducen a una vorágine de emociones que parece en algunos momentos que puede escapárseles de las manos.

El director, Todd Field (conocido por “In the Bedroom”, nominada en 5 categorías a los Oscars) muestra una infalible habilidad de hurgar en los sentimientos más íntimos de los personajes que viven en ese aparentemente apacible barrio y los pone al descubierto, a la vista del espectador.

La historia narrada a modo de cuento, con la constante presencia de una voz en off quizá a ratos excesiva pero imprescindible al fin para describir a la perfección lo que en ocasiones no consiguen explicar las imágenes. Aunque hay escenas como la que transcurre durante la cena en casa del matrimonio de Brad y que no necesitan más que de miradas para ser comprendidas. La puesta en escena está perfectamente calculada mediante una acertada combinación de silencios, palabras y el sonido de una locomotora de vapor que presagia los momentos decisivos de la trama.

Pero aunque el título de Juegos secretos puede llevar a engaño al destacar la relación adultera sobre el resto de personajes, el tema de la pedofília juega también un papel importante en esta historia. El drama empieza tras la puesta en libertad de un exhibicionista, un pedófilo que escandaliza a todo el vecindario llegando incluso a situaciones realmente rocambolescas (veáse la escena de la piscina). De la historia se desprende una crítica a la doble moral basada en prejuicios que se evidencia con la relación que mantienen el inspector de policía y el pervertido. El pedófilo Ronald (excelentemente interpretado por Jackie Earle Haley, ganador del Oscar 2006 a mejor actuación secundaria por esta película) se nos muestra como un personaje frágil, víctima de la sobreprotección de su anciana madre, hasta el punto de que se ve incapaz de afrontar la vida sin ella.

La película nos habla del deseo, de cómo puede llegar a dirigir nuestra vida hasta hacernos perder el control o cómo podemos reprimirlo por considerarse aberrante o inmoral por el resto de la sociedad. Una historia sobre lo que escondemos para no dañar a otras personas, o lo que debemos sacrificar para nuestra felicidad personal. Pero sobretodo de personajes que están (o se sienten) perdidos en una existencia que no les satisface. Personas a las que les falta algún aliciente en sus vidas, algo que les libere de cárcel monótona en la que están inmersos, algo que dé un sentido pleno a sus vidas vacías.

Valoración:

PROYECTO SESIONES DOBLES

2007-04-17T11:16:00.000+02:00

Gracias a la iniciativa de los blogs The Observer y Books & Films ha nacido un proyecto cinéfilo de colaboración entre bloggers en el que Rod@ndo se ha unido: el Proyecto Sesiones dobles.

La finalidad de estas sesiones es promover el cine de calidad entre los lectores de los blogs que se han unido al proyecto. Para ello se propondrá periódicamente el visionado de dos películas de un director concreto dejando un tiempo para verlas y luego comentarlas e invitando a los lectores a que también dejen sus opiniones sobre ellas.

En esta ocasión para inaugurar el proyecto se visionarán y comentarán las películas "Deseando amar" y "2046", de Wong-Kar Wai, director de origen chino más conocido por 'Happy Together' (premiada en el festival de Cannes en 1997)

Fechas de visionado: Del 30 de Marzo al 15 de Abril

Fechas de comentarios: Del 16 al 20 de Abril

Blogs participantes: Books&Films, ¿Y si esta vez te quedaras?, Cineahora, Cinematic World, El día del cazador, El séptimo arte, El diario de Mr. Macguffin, Marco Velez, Himnem, Fabrica de ilusiones, Padded Room: Chronics floor, El lamento de Portnoy, La mujer justa, Bogotá 35MM, Ojo de buey, Viaje a Itaca, Sesión Doble, Ekilore, Rulemanes para Telémaco, Arteyliteratura, La linterna mágica, Rod@ndo, El trono de Hatti, Palabras ocultas, Mitte, The Observer.

Si deseáis uniros al proyecto o saber más información aquí tenéis las instrucciones.

(Sigo con problemas informáticos pero he aprovechado un ordenador ajeno para daros a conocer este interesante proyecto al que espero poder unirme pronto -no sé si me será posible comentar estas dos primeras películas, en todo caso mi intención es unirme a esta iniciativa lo antes posible. Mientras, podéis seguir el proyecto en el resto de blogs participantes)

Descanse en paz...

2007-04-12T18:42:00.000+02:00

Este post no es para nada más que para dejar constancia de que si este blog no se actualiza en estos días y en los próximos (espero solucionarlo cuanto antes) es porque mi PC tiene vida propia: no responde a las órdenes por lo que tendré que prescindir de él unos días mientras pienso si llamar a un exorcista o formatear, no sé qué me da más miedo...

De momento, dejemos que descanse en paz...

Trailer de "Candy"

2007-04-04T15:56:00.000+02:00

A falta de tiempo para ver películas os presento un avance de una película que me atrae en un principio por la relación turbulenta que a priori presenta.

El próximo 27 de abril se estrena en España Candy (no confundir con la asfixiante Hard Candy), una película de pasiones destructivas protagonizada por Heath Ledger (ganador de un Oscar por su interpretación en la aclamada Brokeback Mountain) y Abbie Cornish en el papel de Candy, dos artistas sumidos en la adicción a la heroína. Presos de la satisfacción sin límites que les procura la droga, sólo se preocupan de abandonarse al placer. Una actitud “carpe diem” que lleva a la protagonista al borde de la locura.

Su director, Neil Armfielhas, ha adaptado el bestseller homónonimo de Luke Davies, un drama romántico en el que los amantes mantienen una relación tan pasional como obsesiva hasta el punto de que se llegan a convertir en adictos a ellos mismos, tanto o incluso más, como a la propia droga.

Página oficial de Candy (en inglés)

Crítica: La vida de los otros

2007-03-25T17:06:00.000+02:00

Para lograr que un interrogatorio culmine en una confesión hay que saber escuchar detenidamente al sospechoso y estar atento a la más mínima pista que pueda ofrecer el interrogado. El capitán retirado Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) es experto en la materia y nos ofrece unas clases magistrales sobre ella desde las primeras escenas de la película.

La vida de los otros, merecida ganadora del Oscar 2007 como Mejor Película Extranjera, se basa en la vida de Gerd Wiesler como miembro de la Stasi, un cuerpo de espionaje que controlaba a los sospechosos de ser contrarios al régimen stalinista de la Alemania Oriental en 1984 (guiño a Orwell) y cuenta cómo evoluciona su personalidad, tras recibir el encargo de vigilar al escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y la actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck). La pareja se encuentra sometida noche y día al control y a la vigilancia del Partido Stalinist en una época en la que muchos intelectuales son encarcelados por su oposición al régimen o simplemente acallados. Es escalofriante cómo vemos que el capitán incluso posee la capacidad de intervenir en la vida de la pareja, sin que ellos sean conscientes. El espectador va conociendo –a la vez que el vigilante- a la pareja protagonista a través de la mirada (mejor dicho, el oído) del capitán.

El capitán Wiesler se nos presenta desde un principio como un personaje frío, de mirada inquisitiva y de naturaleza solitaria, pero que muestra sentimientos contenidos y que a lo largo de la película termina despertando la empatía del espectador. Precisamente éste es uno de los puntos fuertes de la película ya que el director, lejos de presentar un mundo de buenos y malos, ha optado por mostrarnos un personaje moralmente reprobable, pero que aún conserva una pizca de humanidad. Porque el vigilante acaba dejando al margen el motivo de la vigilancia y se convierte en una especie de voyeur que participa y llega incluso a disfrutar de las vidas de los otros. Sorprendentemente, el espía ve como emergen en él unas sensaciones compartidas con la pareja, que son fruto del entendimiento y la tolerancia de aquellos que –en principio- no eran como él.

Tanto la dirección y puesta en escena, de la mano del debutante alemán Florian Henckel von Donnersmarck, como las interpretaciones (magistral Ulrich Mühe), son sobrias, quizá buscando esa mesura y contención en la manifestación de las emociones que resulta tan efectiva y de esta forma, es mucho más conmovedora. La película está repleta de escenas memorables y casi poéticas, de aquellas que permanecen en nuestra retina más allá de su visionado, como la que aparece la pareja del escritor en la ducha intentando limpiar de algún modo su culpa por la infidelidad que ha cometido.

Con un final emotivo y magistral, la película se convierte en un canto a la tolerancia frente a cualquier tipo de autoritarismo. El escuchar al otro, al diferente, sirve para comprenderlo y fruto de ese vínculo aprendemos todos. Porque a veces, parafraseando la frase del cartel del drama recientemente estrenado Tara Road, la mejor manera de encontrarse a uno mismo es perderse en la vida de los demás.

Valoración:

Retrato de la esquizofrenia y la discapacidad, por Julio Medem

2007-03-22T18:55:00.000+01:00

Después de su paso por varios festivales, como los de Sevilla, Valladolid (SEMINCI) y Bogotá (Colombia) llegan a nuestras salas comerciales dos documentales con temática social producidos por Julio Médem en 2005.

¿Qué tienes debajo del sombrero? relata la vida de Judith Scott, una escultora norteamericana que a los 62 años es reconocida a nivel internacional tras residir durante 36 años en un centro psiquiátrico. Su hermana Joyce nos cuenta la historia de Judith, una mujer sordomuda que padece Síndrome de Down. Pero el caso de Judith no es un caso aislado. En la película se presentan también otros personajes del Creative Growth Art Center de California quienes como ella, buscan expresarse a través del arte. El documental pone de manifiesto el aislamiento que puede provocar una discapacidad, y desvela cómo a través del arte se consigue restablecer la comunicación.

La banda sonora viene de la mano de Alberto Iglesias, quien en los últimos años ha ganado la mayoría de los premios Goya otorgados a la mejor banda sonora original. Esta pasada edición lo ganó con Volver.

Otro documental producido por Julio Medem que se estrena esta semana es "Uno por ciento, esquizofrenia", un intento de aproximación a las complejas mentes de estas personas que suman más de 52 millones en todo el mundo. Según leemos en su web, se trata de "un recorrido laberíntico poblado de espacios múltiples donde los prejuicios se transforman en invitaciones de acercamiento a compartir lo misterioso, doloroso, impensable y humano de esta enfermedad".

Julio Medem, por otra parte, está trabajando en la postproducción de su nueva película Caótica Ana, que se estrenará a finales de verano de 2007. En palabras del director y guionista del filme: "Ana es la princesa y el monstruo de esta fábula feminista contra la tiranía del hombre blanco".

Recuerda que puedes consultar éstos y otros estrenos de la semana en Cinempatia

"El niño de barro", historia de un niño asesino

2007-03-16T13:17:00.000+01:00

Maribel Verdú, Daniel Freire y Juan Ciancio, protagonizan, El niño de barro, un thriller psicológico de época ambientado en la Argentina de principios del siglo XX, dirigido por el director y guionista español Jorge Algora, que está basado en la historia real de un asesino conocido como "El petiso orejudo", el primer niño en cometer crímenes en serie.

La historia reconstruye el ambiente de Buenos Aires del año 1912, lugar donde suceden una serie de brutales asesinatos de niños, y en el que Mateo (Juan Ciancio), un niño de 10 años, tiene visiones sobre ellos. Esta clarividencia provocará las sospechas del resto de la gente, que lo considerarán culpable de los hechos. El director se inspiró en los crímenes reales de Cayetano Santos Godino, "El petiso orejudo", pero en el caso de la película el niño protagonista no es el criminal en serie, sino una de sus víctimas.

Como se puede intuir por el argumento, la película tiene un fondo duro y oscuro que va a suscitar polémica, aunque según ha contado el mismo director, no se trata de violencia explícita sino que se trata de una violencia que más que verse, se va a sentir. El tema fundamental es el de la violencia de los niños, tema que preocupa a Jorge Algora y que pretende denunciar con su película. Muchos de los actores del film son niños que sufren traumáticas situaciones, por lo que para el rodaje se contrató a un equipo de psicólogos para hacerles entrar en determinadas situaciones a través del juego.

El niño de barro es una ambiciosa coproducción hispano-argentina que se estrenará en España en el próximo mes de mayo y que cuenta con un presupuesto cercano a los 3 millones de euros.

Página oficial de El niño de barro

Si quieres ver el trailer accede desde aquí.

En la tiniebla (Estrenos DVD)

2007-03-12T21:03:00.000+01:00

Recupero la crítica que escribí en el momento de su estreno (verano de 2006) en mi anterior blog aprovechando que ahora la película ya está disponible en DVD

En la Tiniebla es, pese a lo que el título pueda sugerir, una película de suspense, con tintes dramáticos (o sensibleros si se quiere), un cuento de fantasmas con un tono dramático, más que una película de terror. Craig Rosenberg nos trae de nuevo, tras un tiempo sin aparecer en pantalla (desde 2003 hasta 2006), a Demi Moore, quien fue en un pasado no muy lejano, una de las actrices mejor pagadas de la industria cinematográfica.

La exitosa vida de escritora del personaje de Demmi Moore se ve truncada tras la muerte de su hijo. A partir de la muerte accidentada del niño –del que la madre se siente profundamente culpable - el matrimonio de Rachel se rompe y su creatividad como escritora se esfuma, por lo que se ve obligada a mudarse a un paraje solitario para intentar recobrar su inspiración y su estabilidad emocional. La escritora se va a vivir a una casita solitaria en la punta más lejana de Gales, en la isla de Ynys Landwynn. Un lugar de belleza salvaje, con largas playas y un faro que cobra especial importancia. Allí Rachel empieza a experimentar escalofriantes visiones de su hijo, e inicia un romance con su vecino más próximo, Angus McCulloch (Jamie Edgell), un farero que vive en una pequeña isla enfrente de la casa. Las visiones aparecen con más frecuencia y se dan todo tipo de sucesos que nadie más puede ver (aparte de la loca del pueblo).

El argumento está plagado de tópicos como el del hombre/mujer/familia que se muda a una casa abandonada y empieza a percibir señales de fantasmas. La película es poco original pero consigue mantenerte en tensión con algunos sustos. A lo largo del guión se producen constantes giros argumentales que consiguen desmontar las hipótesis o teorías que pueda formularse el espectador respecto al transcurso de los acontecimientos. Especialmente, a mitad de la cinta, el argumento cambia radicalmente de una forma que se puede considerar algo forzada pero también le aleja un poco de los desenlaces típicos de este género de películas.

Así, la impresión global que deja la película es como la de un café descafeinado, no muy satisfactoria, pero tampoco totalmente desagradable.

Recomendada para los que les gustaría recibir señales del más allá. Y es que como dice en una escena el amante de la escritora: "Puede que los muertos nos echen más de menos que nosotros a ellos".

Lo mejor: los paisajes de la costa irlandesa y la intriga que se respira en la película.

Lo peor: no aporta nada nuevo al género del thriller y lo extraño que se hace la mezcla de suspense con el sentimentalismo del romance

Valoración:

En busca de la felicidad

2007-03-06T16:59:00.000+01:00

Dicen que el dinero no da la felicidad... Pero que ayuda. Porque, ¿cómo se puede ser feliz sin tener dinero ni siquiera para comer, ni un techo en el que cobijarse? Eso mismo debe pensar, Chris Gardner, un padre coraje que se encuentra en un momento de su vida sin dinero y sin hogar pero que hará todo lo que está en sus manos para conseguir sobrevivir y sobrellevar la situación de la mejor forma posible, sin perder los nervios ni la dignidad.

Chris Gardner (Will Smith) lucha por alcanzar la anhelada felicidad, lo que vendría a traducirse como una cierta estabilidad para él y para su familia. Un reto nada fácil que deberá afrontar solo (su mujer le abandona agobiada por la situación) y sin ningún tipo de ayuda en la ardua tarea de sobrevivir junto a su hijo (hijo de Will Smith en la vida real). Con la ciudad de San Francisco como escenario y enmarcada en la época de los ochenta, "En busca de la felicidad" nos muestra las penurias y sacrificios que debe sufrir el protagonista para salir adelante y para lograr una estabilidad profesional (concretamente, un puesto de agente de bolsa en una importante compañía). En poco tiempo, Gardner se queda sin casa ni dinero, pero como las desgracias nunca vienen solas, el espectador pasará toda la película compadeciéndose de un protagonista cuya vida es una sucesión de momentos dramáticos (a cual peor) que superará gracias a un tesón digno del más optimista.

Esta vez, Will Smith ha sabido alejarse de su registro cómico y ha afrontado este drama con una interpretación notablemente sobria (alejada de sentimentalismos innecesarios), que le ha valido una nominación al Oscar como mejor actor (aunque no fuera premiado, finalmente). El director, Gabriele Muccino, ha sabido calcular al milímetro la carga emotiva de la película (con escenas inolvidables como la de la noche que pasan durmiendo padre e hijo en un servicio público) para no caer en la sensibleria propia de los telefilms.

Pero a pesar del previsible final feliz (imprescindible alivio tras una continua sucesión de desdichas), la felicidad se presenta como un estado circunstancial, como episodio en la vida de cualquier persona, aunque siempre deseamos inconscientemente que sea eterno (incluso el propio personaje es consciente de lo efímero de la felicidad y titula mediante voz en off uno de los capítulos de su vida con ese nombre). Porque el trayecto hacia la felicidad es como el de intentar resolver un cubo de Rubick: podemos acercarnos al final, pero casi siempre nos quedamos en el camino. Pero no por ello debemos dejar de intentarlo, en palabras del propio Gardner: "No permitas que nadie diga que eres incapaz de hacer algo... Si tienes un sueño, debes conservarlo... Si quieres algo, sal a buscarlo. Y punto”.

Recomendada para los que creen que pueden superarse y mejorar si se esfuerzan en ello

Valoración:

Cine americano de todos los tiempos en 7 minutos

2007-03-02T20:31:00.000+01:00

Tras pasarme por ECuaderno he descubierto el original corto Precious Images de Chuck Workman (Oscar en 1987), una recopilación de nada menos que 469 fragmentos de las películas más importantes de toda la historia del cine americano.

Una pieza que pretende condensar la esencia del cine: momentos románticos, humorísticos, de terror, musicales, de violencia, fantasía... En blanco y negro y en color.

Para el que se atreva con el reto de adivinar qué fragmentos pertenecen a cada película, dejo una lista en la que se puede identificar cada largometraje, junto con su director y año de producción.

Ganadores OSCARS 2007

2007-02-26T18:15:00.002+01:00

Como es habitual en este tipo de festivales, los ganadores de algunas de las principales categorías eran previsibles, aunque ha habido algunas sorpresas. Infiltrados fue la gran vencedora de la noche y se llevó 4 Oscars. A continuación, incluyo la relación de premios de cada categoría:

Mejor Actriz: Helen Mirren por "The Queen"

Mejor Actor: Forest Whitaker por "The Last King of Scotland"

Mejor Actriz de Reparto: Jennifer Hudson por "Dreamgirls"

Mejor Actor de Reparto: Alan Arkin por "Little Miss Sunshine"

Los premios de las categorías de Mejor Actriz, Mejor Actor y Mejor Actriz de Reparto no han traído ninguna sorpresa, en la que sí ha habido un ganador inesperado es en la de Mejor Actor de Reparto ya que Eddie Murphy era un claro favorito por su interpretación en "Dreamgirls" .

Mejor Dirección Artística: "El Laberinto del Fauno"

Mejor Maquillaje: "El Laberinto del Fauno"

Mejor Banda Sonora: Gustavo Santaolalla por "Babel"

Mejor Guión Original: Michael Arndt por "Little Miss Sunshine" (Ver Crítica)

La modesta producción americana Pequeña Miss Sunshine ha sido otra de las sorpresas de la noche al conseguir el premio al Mejor Guión Original.

Mejor Guión Adaptado: The Departed (Infiltrados)

Mejor Fotografía: Guillermo Navarro por "El laberinto del fauno"

Mejor Película Extranjera: The Lives Of Others (La vida de los otros) dirigida por Florian Henckel Von Donnersmarck (Alemania)

El premio de esta última categoría ha sorprendido por la predilección que tenía crítica y público con respecto a la otra nominada, El laberinto del fauno. Aunque la película de Guillermo del Toro es la segunda película que ha obtenido más premios -después de Infiltrados- pero en su caso han sido todos técnicos (Mejor Fotografía, Mejor Maquillaje y Mejor Dirección Artística)

Mejor Director: Martin Scorsese por "The Departed" (Infiltrados)

Mejor Película: The Departed (Infiltrados)

Scorsesse ha recibido esta vez por partida doble la distinción que se le había negado en otras ocasiones en las que había estado nominado.

Mejor canción: Melissa Etheridge (I Need to Wake Up) por "Una verdad incómoda"
Mejor Montaje: Thelma Schoonmaker por "The Departed"
Mejor vestuario: Milena Canonero por "Marie-Antoinette" (Ver Crítica)
Mejor sonido: Alan Robert Murray, Bub Asman por "Cartas desde Iwo Jima"
Mejores efectos sonoros: Minkler, Beemer, Burton por "Dreamgirls"
Mejores efectos visuales: Knoll, Hickel, Gibson, Hall por "Piratas del Caribe 2"
Mejor largometraje documental: Una verdad incómoda
Mejor largometraje animación: "Happy Feet"

En el apartado de largometraje de animación tampoco estaba muy claro el que resultaría ganador, ya que también Cars se alzaba como uno de los favoritos. En todo caso, mi voto habría sido para la entretenidísima Monster house (Ver Crítica)

París, je t'aime

2007-02-22T20:39:00.000+01:00

Mañana se estrena (con días de retraso) una película colectiva de 20 episodios de tan sólo seis minutos de duración en la que un grupo de directores de estilos totalmente distintos ha intentado plasmar su visión personal sobre la a ciudad famosa por ser la más romántica del mundo.

Los directores que se han unido para este experimento cinematográfico son rostros tan admirados como los hermanos Coen, Olivier Assayas, Frédéric Auburtin y Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuaron, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles y Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa y Tom Tykwer.

Todos ellos acompañados de un impresionante elenco de intérpretes de los que mueven en masa al público a las salas: Natalie Portman, Steve Buscemi, Juliette Binoche, Javier Cámara, Willem Dafoe, Bob Hoskins, Fanny Ardant, Nick Nolte, Ludivine Sagnier, Leonor Watling.

Las calles de París y el amor en todas sus variantes actúan como nexo entre las historias pero parece que la temática de la película es mucho más caleidoscópica: encuentros inesperados, alegrías, separaciones, humor e incluso escenas de miedo, todas ellas protagonizadas por personas muy distintas entre sí.

Uno de los cortos más celebrados ha sido el de Isabel Coixet titulado Bastille (uno de sus fotogramas -una mujer con un abrigo rojo acariciando los barrotes de la reja de un parque- ha sido elegido como cartel de la versión francesa en DVD). En la película Isabel Coixet vuelve a profundizar en el tema de las enfermedades terminales como lo hizo en su día en la excelente Mi vida sin mí. En su corto un hombre maduro espera a su mujer en una mesa del restaurante y piensa decirle a su mujer que está enamorado de otra, pero cuando ella llega, le cuenta que le acaban de diagnosticar leucemia terminal.

Veremos si la limitación de tiempo a la que se ven sometidos los cortos se convierte en un obstáculo para el desarrollo de las historias o si los directores nos terminan dando finalmente toda una lección de capacidad de síntesis. Estoy impaciente por perderme por las calles de la "ciudad de la luz" en este peculiar paseo cinematográfico.

Trailer de Paris, je t’aime

Recuerda que puedes consultar éste y otros estrenos de la semana en Cinempatia

MENTES EN BLANCO

2007-02-19T19:12:00.000+01:00

Cinco personas se encuentran encerradas y dormidas en una nave industrial en mitad del desierto. Cuando despiertan de su sueño no consiguen recordar nada. No recuerdan ni siquiera quiénes son, tienen la mente totalmente en blanco.

Poco a poco, cada uno va recuperando la memoria y es entonces cuando surgen los recelos y las desconfianzas puesto que acaban deduciendo que unos son los secuestradores y otros los secuestrados. ¿Cómo saber en quién confiar si ni siquiera recuerdan quiénes son ellos mismos? Así, como es difícil discernir quién es quién, terminan uniendo sus fuerzas para intentar salir de ese recinto ingeniándoselas como pueden antes de que vengan los que les encerraron ahí. Pero a pesar de que la situación del encierro de los protagonistas pueda recordar a Saw, la violencia en este caso es bastante moderada en comparación al resto de películas del género.

Si bien la película cuenta con actores conocidos como Greg Kinnear, (recientemente pudimos verlo en Pequeña Miss Sunshine) Caviezel o Stormare, permanecen diluidos en la historia sin profundizar lo más mínimo en la personalidad de ninguno de ellos. Pero en el caso de esta película, tampoco importa demasiado. Lo interesante es ir reconstruyendo poco a poco quiénes son y cómo han llegado al lugar en el que están encerrados. Los recuerdos vienen a la mente de los personajes en forma de flashbacks y les aclaran a la vez que al espectador lo que ha llevado hasta ese lugar. Quizá el mérito de la película es que la tensión se mantiene de forma creciente hasta los momentos finales. Pero no será hasta la escena final que las piezas de este puzzle terminen encajando a la perfección, con la sorpresa de no ser todo como al principio se puede imaginar.

Simon Brand debuta en la dirección con Mentes en blanco (es conocido por su faceta de creador de videoclips) y nos ofrece sin más pretensiones que entretener, un thriller psicológico de duración acorde con la trama (una hora y media), perfecto para evadirnos, para que dejemos por unos minutos la mente en blanco.

El valor de los títulos de crédito

2007-02-17T15:06:00.000+01:00

Si en el anterior post destacaba la importancia que tienen para mí los títulos de crédito de las películas, hoy os enseño una web en español en la que se recopilan los primeros minutos de algunas películas muy conocidas por todos como Amelie, Four Rooms, La vida de Bryan, entre otras.

Actualmente, gracias a las nuevas tecnologías, los diseñadores gráficos pueden desplegar toda su creatividad para crear títulos de lo más sugerentes. En ocasiones los títulos de créditos nos avanzan el argumento y en esos casos es cuando mayor atención se les presta, aunque en general pasan bastante inadvertidos por el público. En mi caso, es curiosa la forma en la que sólo viendo los créditos iniciales me vienen a la mente enseguida las escenas posteriores, que creía haber olvidado.

También existe una página en inglés que nos recuerda los títulos de crédito de las películas más conocidas: Forget the film, Watch the Titles

PD: Disculpad la falta de actualización pero es que los virus del constipado han podido conmigo, aunque ya los estoy echando... ;-)

Recordad que podéis conocer todos los estrenos de la semana en Cinempatia

Vía: LLamamelola

5 confesiones cinéfilas

2007-02-12T17:06:00.000+01:00

Mi compañero de Cinempatia, Cineahora me ha pasado el testigo de un meme en el que se supone que debo desvelar 5 cosas que no sabéis de mí. Allá van:

* Soy licenciada en periodismo pero las circunstancias del destino me han acercado al mundo de la publicidad, al que me dedico hoy día. El periodismo cultural -en el que se podría enmarcar la crítica de cine- es lo que más me atrae del mundillo periodístico, pero como es tan difícil abrirse paso en ese sector, ya satisfago mis ansias de escritura en este blog y en Cinempatia.

* Mi relación con el cine no viene dada a raíz de ningún acontecimiento especial si no que es una afición que me viene acompañando siempre, aunque quizá se ha intensificado desde que empecé a ir a la universidad donde descubrí a varios clásicos cinematográficos a los que no había prestado nunca atención, entre ellos Woody Allen. La cantidad de películas que habré visto en la temporada universitaria gracias a la biblioteca de la facultad es inimaginable.

* Cuando veo una película me gusta estar en el más absoluto de los silencios. No soporto el más mínimo comentario que pueda distraer mi atención. Por eso, prefiero ver las películas en soledad, aunque mi acompañante habitual suele permanecer calladito sin molestar... ;-)

* Soy totalmente incapaz de seguir una película de acción. A ratos puedo lograr mantener la atención y seguir la trama pero cuando menos me lo espero mi mente ya se ha ido a otro lugar muy lejano del que me cuesta unos minutos regresar. Por ese motivo, para no volver loco a mi acompañante repitiendo cada ciertos minutos la dichosa preguntita ¿qué ha pasado ahora?, intento evitar ver películas de ese género...

* No puedo ver una película si ya ha empezado, aunque sólo sea unos minutos. Para mí, hasta los títulos de crédito del principio tienen importancia y me pueden hacer disfrutar (o no) de la película. Otra manía relacionada es que siempre (o casi siempre) veo las películas hasta el final, aunque al principio me parezcan infumables. Como en la vida, con el cine no me dejo llevar por las primeras impresiones y me gusta dar una oportunidad por si se da el caso de que la historia mejora posteriormente en su desarrollo.

Si les apetece, invito a Freddyvoorhees, Antiegos y Noa a confesarse con este meme.

Maratón sexual en Shortbus

2007-02-08T19:01:00.000+01:00

La provocadora película del director estadounidense John Cameron Mitchell que se estrena el próximo viernes utiliza el sexo como vehículo para tratar asuntos como la soledad, la insatisfacción y el suicidio. Algunos críticos ya han considerado que se trata del largometraje de contenido sexual más explícito que se ha realizado nunca fuera del cine pornográfico estadounidense.

Aunque según su director, Shortbus es una película que “con humor e ironía, dice algo de nuestra sociedad, donde el sexo está separado de nuestras emociones e ideas".

Por lo que se sabe del argumento, la película empieza con la escena de un joven, James (Paul Dawson), tendido en el suelo de su apartamento y contorsionándose para conseguir la tarea frustrada de eyacular en su propia boca. Una frustración que siente también en su relación de cinco años con su chica (PJ DeBoy) en la que atraviesan una grave crisis, por lo que empieza una aventura con un tercero (Jay Brannan). En la película también aparecen otros personajes con problemas sexuales como una terapeuta que nunca ha experimentado un orgasmo o un ex alcalde que no se atreve a salir del armario. Las vidas de todas estas personas e entrecruzan en Shortbus, un cabaré clandestino de Nueva York frecuentado por artistas que buscan diversión y "sexo colectivo".

Como si de una película pornográfica se tratase, se dice que todas las escenas sexuales que aparecen en la cinta son reales, aunque Mitchell señala que son exageraciones o adaptaciones de las experiencias personales de los actores, incluidos DeBoy y Dwason, que son pareja en la vida real.

"Shortbus" tuvo como punto de partida una convocatoria realizada por Mitchell en Internet, en la que solicitaba a los potenciales actores grabaciones en las que hablaran de sus experiencias sexuales más importantes desde el punto de vista emocional. Según Mitchell, el sexo "no debe ser visto como algo malo", sino como un acto en el que se reflejan nuestros miedos y frustraciones. ¿Logrará la película profundizar en las emociones humanas a través del sexo o se trata de un simple y polémico reclamo publicitario para generar morbo entorno a ella?

Trailer de Shortbus

Toda la información sobre éste y el resto de estrenos de la semana en Cinempatia

PRÓXIMAMENTE: FOXY LADY

2007-02-05T13:23:00.000+01:00

El pasado mes de enero se rodó en Madrid Foxy Lady, el nuevo corto de nuestro compañero en Cinempatia, Álvaro Oliva, y que en estos momentos está en fase de montaje y postproducción.

Foxy lady nos cuenta las vivencias de Martín Ágreda, un escritor de mala fama al que entrevista una atractiva periodista. Una historia basada en un relato de Eduardo Vilas protagonizada por el actor Nacho Vigalondo (candidato al Óscar hace 3 años, por su cortometraje “7:35 de la mañana y que ahora ha dado el salto al largometraje con Los cronocrímenes ) y por Ana Asensio, más conocida por sus papeles en series de televisión. Además, el corto cuenta con Sergio Barrejón como co-guionista, quien a su vez también ha participado en la creación del guión de 'Éramos Pocos', candidato al Oscar al Mejor Cortometraje.

Cuando termine la fase de postproducción, Foxy Lady empezará su ruta de festivales. Deseamos muchísima suerte al equipo de Álvaro en esa etapa, a la vez que esperamos poder ver pronto algún avance del corto.

Página oficial de "Foxy Lady"

MONSTER HOUSE (ESTRENOS DVD)

2007-02-01T11:47:00.000+01:00

¡Cuidado con el césped!

Monster House nos narra la simple historia de una casa encantada, que ataca a todo aquel que se le pone delante y especialmente los niños. Pero detrás de la simplicidad y lo tópico de la historia se esconde un guión cómico que sonará a nunca visto y que mantiene el suspense durante la práctica totalidad de la película.

DJ Walters es un niño que se obsesiona con el vecino de la casa de enfrente, el viejo gruñón Nebbercracker. El anciano despierta el temor de los niños de todo el barrio ya que se apodera de todo aquel objeto que cae en su césped. El día de Halloween desaparece balón de baloncesto de su amigo Chowder y se dan cuenta de que la casa tienen vida propia y una agresividad fuera de límites. Con la ayuda de su ingeniosa amiga, los tres deciden investigar qué ocurre con la misteriosa casa, y ahí empieza una aventura en la que el terror y el humor se entremezclan a partes iguales.

En el plano cómico destacan sobretodo los personajes secundarios: el gordito graciosillo Chowder y el ayudante de polícia que investiga lo que ocurre con la casa nos arrancan más de una carcajada. Incluso hay espacio para el amor, ya que los dos niños se disputarán la atención de la pequeña que los acompañará en su aventura y al final de la película descubriremos que el amor puede llegar a límites insospechados en el caso de Nebbercracker.

Filmada mediante la técnica de animación utilizada en la película The Polar Express (una mezcla de actuaciones reales y animación digital), los personajes parecen de carne y hueso, de manera que a pesar de ser una película de animación parecen mucho más creíbles al ganar en expresividad. Entretenida, sin perder el ritmo en ningún momento, se trata de una buena propuesta tanto para niños como para adultos. Una genial candidata a ganar el premio como mejor película de animación en los premios Oscar 2007.

Valoración:

TIEMPO DE VALIENTES (DVD)

2007-01-30T12:49:00.000+01:00

Recupero una película que comenté en mi anterior blog y la recomiendo fervorosamente a quien desee pasar un rato entrenido con espacio también para la reflexión.

Corren “tiempos de valientes” para el cine argentino. Por que hay que ser valiente para osar a enfrentarse en la cartelera con las superproducciones hollywoodienses y salir airoso del intento. Después del éxito de directores como Juan José Campanella con su entrañable El hijo de la novia y Adolfo Arinstarain (Lugares Comunes ), llegó en mayo de 2006 a nuestras pantallas Damián Szifron con una una divertida comedia policial. Lo que empieza como una típica película de acción se convierte en una tragicomedia en la que no sabes si reír o llorar, de la lástima que provocan algunas situaciones que viven los protagonistas. Así, después de un inicio bien construido, esta supuesta comedia policial nos adentra en el género de las buddy movies, en el que aparecen parejas opuestas, tan comunes en el cine yanqui de acción. En el caso de esta película, uno es polícia y se incorpora a sus tareas policiales como vía de escape tras descubrir que su mujer lo engaña. El otro es un psicólogo que lo acompañará en su rutina policial en la investigación de un caso a modo de terapia.

Los psicólogos parece que tengan respuesta para todo tipo de comportamientos (o almenos intentan buscarla) y por ello Mariano Silverstein (Diego Peretti, conocido por la película No sos vos soy yo) sabe encontrar una explicación lógica a las actuaciones y sentimientos del inspector Alfredo Díaz (Luis Luque), indagando en su pasado traumático. Son dos personajes diametralmente opuestos (la seguridad del psicólogo frente al trauma emocional del polícia) pero que llegan a acercarse y comprenderse mejor que nadie. No obstante, tras la impactante y violenta escena inicial del asesinato llevado a cabo por el cínico mafioso, el guión sufre altibajos de manera que la película pierde interés hasta que a la media hora llega a su punto de inflexión y la atención del espectador se recupera. La película da un giro argumental a partir del momento en que el aparente mundo de seguridad y de convicciones firmes del psicólogo se derrumba tras descubrir la infidelidad de su esposa.

Los psicólogos siempre explican todo lo que hay que hacer frente a un problema... lo dicen todo de manera relajada y convencidos de lo que se debe hacer... Pero, qué ocurre cuando el problema que tiene el paciente lo tiene el que le atiende? Las cosas no son como parecen, sino todo lo contrario y así el que parece inseguro se vuelve seguro y a la inversa. La personalidad de los protagonistas se intercambia de manera que el psicólogo que presumía de estar seguro de sí mismo pasa a ser el deprimido cornudo. La estabilidad emocional del psicólogo se quiebra y el policía se convierte en el mejor de los psicólogos. Parece que es ahora el policía el que tiene todas las respuestas. El problema une más a los dos y los convierte en cómplices al desubrir un hecho de corrupción en intentar destaparlo. A partir de este momento los protagonistas se involucran en una investigación repleta de momentos hilarantes.

Pero además de ser cómica, la película tiene su parte de crítica social y política sobre la corrupción en Argentina, pero sin regodearse en ella. Como en otras películas que se rodaron tras la dictadura, la Policia Federal y el Ejército argentino quedan en evidencia por sus actuaciones fuera de la ley. Pero ese no es su argumento principal. Lo más importante es que entretiente, divierte que asegura una sonrisa frecuente más que carcajada constante. Por que a pesar del tinte trágico de las situaciones que viven los protagonistas, la película ofrece un mensaje optimista. Porque todos podemos ser un héroe o porque todos podemos evolucionar, porque es tiempo de valientes.

Valoración:

Mundo Pixar

2007-01-27T17:52:00.000+01:00

En el post anterior hablábamos de las consecuencias trágicas que pueden acarrear las envidias y rivalidades entre dos magos. En la misma línea, os invito a que veáis One man Band, el último corto (año 2006) que nos ofrece Pixar, productora de animación sobradamente conocida por todos y responsable de éxitos como 'Toy Story', 'Buscando a Nemo', 'Los Increíbles' o la más reciente 'Cars'. Además, (gracias Rubén) para el que no lo viera en su momento, también incluyo el corto que ganó un Oscar en 2001: For the birds.

Trailer One man Band

One Man Band - video powered by Metacafe

Trailer For the birds (ganador de un Oscar en 2001)

Y para terminar, de la mano del director de Los Increíbles nos llega el teaser trailer de la nueva película de Pixar, protagonizada por un ratón que desea convertirse en chef y que se estrenará el 20 de julio de este año.

Ratatouille

PD: En Cinempatia tenemos los cortos españoles que han sido nominados a los Oscars 2007, para verlos accede desde aquí.

THE PRESTIGE ("El truco final")

2007-01-23T13:17:00.000+01:00

El camino a la autodestrucción

"Todo gran truco de magia consiste en tres actos. El primero se llama 'La presentación': el mago muestra algo que parece ordinario, pero, por supuesto,... no lo es. El segundo acto se llama 'La actuación': el mago hace que lo ordinario se transforme en algo extraordinario. Ahora bien, si buscas el secreto... no lo encontrarás, es por eso que hay un tercer acto llamado 'El prestigio': ésta es la parte con los giros inesperados, en la que la vida cuelga de un hilo, y entonces ves algo impactante que nunca habías visto antes". Con estas palabras explica Michael Caine el funcionamiento de los espectáculos de magia al principio de la película The Prestige, pero que ha llegado a nuestras pantallas con el título 'El truco final' (horrenda traducción al español).

Dos magos (Hugh Jackman y Christian Bale), ambos aprendices del mismo mago e incialmente colegas, empiezan a odiarse tras un trágico accidente. Su rivalidad por conseguir el mejor truco de magia les llevará a intentar boicotearse constantemente, esta obsesión por ser el mejor les acarreará unas consecuencias inesperadas. Una lucha por alcanzar el éxito profesional que nos hará plantearnos a cada momento qué personaje es menos despreciable hasta que nos damos cuenta de que ambos son moralmente igual de mezquinos.

Obviamente, las interpretaciones masculinas (Jackman, Bale y el siempre correcto Michael Caine) se llevan todo el protagonismo. Como ocurre en el caso de muchos directores, parece que Nolan mantiene su tendencia a invisibilizar a los personajes femeninos, que se convierten en meros objetos de acompañamiento de los protagonistas. Scarlett Johanson parece tener en la película el único cometido de lucir su corsé. Únicamente al personaje de la esposa de Bale se le concede un papel en el que puede sobresalir más (no demasiado).

En lo que quizá falla la película es en el disfrute de los espectáculos de magia porque el espectador está demasiado ocupado intentando descifrar el truco para dejarse embaucar por él. Además, el hecho de que al espectador se le explique el truco de casi todas las exhibiciones (menos de la más importante, obviamente) le resta emoción al asunto. Algo que no ocurría en El ilusionista. Otro problema es que por momentos el film se vuelve algo repetitivo, ya que da muchas vueltas sobre la misma idea de la obsesión por conocer el truco final.

Sin embargo, el guión no deja de ser sorprendente ya que el director siempre se guarda –como los magos- un as en la manga para mantener la atención del espectador. La película cumple perfectamente con el cometido de cualquier espectáculo de magia: entretener y engañar constantemente a un espectador que se pasará toda la película preguntándose qué es lo que ocurrirá después.

La película esconde un mensaje aterrador: para triunfar en la vida todo es lícito. El fin justifica los medios para estos magos en que se valen del engaño y la manipulación para conseguir sus objetivos. Una lucha agresiva por llegar a la fama, a ser reconocido como el mejor ante la sociedad. Una competitividad que no entiende de amistad, de amor ni de ningún otro aspecto que no esté relacionado con el prestigio social. Una lucha en la que se pone en peligro las propias relaciones personales e incluso la integridad física de los competidores.

Christopher Nolan nos regala una historia perfectamente ambientada y con vueltas de tuerca de guión sorprendentes en la que se pone de manifiesto el peligro de las obsesiones, que pueden acabar en tragedia. Sentimientos tan universales como la envidia, el rencor, la competitividad y la ambición son experimentados al límite por los dos protagonistas hasta su destrucción moral. Porque el camino al éxito de los dos protagonistas es también el camino hacia su destrucción personal.

Recomendada para los que aspiran a ser los mejores en lo profesional (que no en lo personal)

Valoración:

MARIA ANTONIETA

2007-01-18T21:50:00.000+01:00

El drama de una reina precoz

Lujos, champán, joyas, escándalos, cotilleos, festines culinarios, vestidos confeccionados con las telas más exquisitas, bailes y fiestas hasta el atardecer... La nueva película de la ganadora de un Oscar Sofia Coppola refleja perfectamente los excesos que se vivieron en la corte de Versalles durante el siglo XVIII, un lujo extremo radicalmente distinto a las deplorables condiciones de vida del resto de la población francesa, un lujo que llevó a la perdición a los monarcas del lugar.

La historia, protagonizada por Kirsten Dunst y Jason Schwartzman, se centra en la figura de Maria Antonieta, una mujer que tuvo qué abandonar rápidamente su niñez para convertirse en reina de Francia. La película empieza con el viaje de la niña de su Austria natal a la corte de Versalles donde le esperaba su prometido para contraer matrimonio, una boda a partir de la cual se verían satisfechos los intereses políticos de ambos países. Pero esa alianza no sería efectiva hasta que no naciera el heredero de la corona, un niño que tardaría en nacer debido a la impotencia del príncipe. Se trata de una película arriesgada en la forma cercana de presentarnos el siglo XVIII, habitualmente representada de manera muy encorsetada. Y es que los reyes también pueden ser impotentes, aunque la historia oficial generalmente es demasiado complaciente y tiende a maquillar un poco la realidad para evitar mostrar según qué aspectos menos convenicionales. Pero Soffia Coppola se atreve a presentarnos una visión muy personal y realista de lo que ocurrió en la época de la opulenta corte francesa.

La ambientación de la corte está perfectamente recreada, sin escatimar en vestuario ni en mostrar toda aquella opulencia y recreándose en planos notablemente largos –muy en el estilo de la directora- para poder apreciar a la perfección cada mínimo detalle. Ahora bien, es necesario preguntarse si realmente es imprescindible para la comprensión de la trama la repetición casi exacta de algunas escenas. La primera hora de la película es totalmente redundante ya que se da una recreación innecesaria: ¿hace falta repetir tres veces una secuencia para que quede clara la falta de entendimiento sexual entre los príncipes?

Otro punto polémico es la banda sonora de la película, estamos acostumbrados a asociar un tipo de música a una época en concreto. En este caso se opta por una banda sonora genial pero totalmente inadecuada, según mi punto de vista, para el tipo de película ante el que nos encontramos. La banda sonora incluye a grupos modernos como The Strokes, The Cure, Phoenix, New Order y Siouxie And The Banshees. Si bien es cierto que en ocasiones algunas canciones no chirrían tanto, otras parecen totalmente fuera de tono (como ocurre en la escena del baile). En cuanto a las interpretaciones, Kirsten Dunst parece haberse estancado en su papel de adolescente superficial. De hecho el papel de una reina que se evade de sus responsabilidades y problemas de una forma frívola y derrochadora parece que le viene como anillo al dedo. Del resto de personajes no hay nada que destacar puesto que son un mero acompañamiento de la protagonista.

Sin embargo, lo que sí es digno de elogio es la voluntad de la directora de experimentación y de reinterpretación de la historia, el problema es que el producto final no tiene la calidad que se podría exigir a la creadora de la magnífica Lost in translation. Resumiendo: una historia que no acaba de arrancar y una vez lo consigue acaba a medio gas.

Valoración:

DIARIO DE UN ESCÁNDALO ("Notes on a scandal")

2007-01-16T12:01:00.000+01:00

El día 23 de marzo se estrenará en España un drama protagonizado por Cate Blanchett y Judi Dench que promete ser un genial un duelo interpretativo entre ambas actrices.
En la película se cuenta la historia de una profesora que llega a trabajar a una escuela británica e inicia una relación de amistad con otra profesora veterana que se siente sola y desplazada en el colegio. Todo va bien hasta que tiene lugar un escándalo en la escuela en el que se ve implicada la nueva maestra. A partir de este suceso, la nueva profesora sufrirá el chantaje de la veterana, quien la manipulará a su antojo a cambio de defenderla frente a los demás.

Podéis ver el trailer y leer el minireportaje sobre la película en Cinempatia

HARD CANDY (Estrenos DVD)

2007-01-12T11:41:00.000+01:00

Desquiciante. Hard Candy es un thriller psicológico que cuenta la historia de una venganza. La cruel venganza de una adolescente a un fotógrafo que considera culpable de acoso sexual. La película habla acerca del peligro de la red para muchos menores que se ven sometidos al acoso de pederastas o pedófilos. Pero en este caso, es el acosador quien se convertirá en presa de su "víctima".

Hayley y Jeff se conocen a través de una chat. Jeff tiene 30 años y Hayley es sólo una niña pero eso no impide que queden para conocerse. El título de la cinta, Hard Candy (Caramelo Duro) es un término coloquial que se utiliza en Internet para designar a chicas menores de edad. Ese encuentro en casa del fotógrafo marca un punto de inflexión en la película tras el cual se convierte en todo un thiller cargado de sadismo psicológico cuyo ambiente es asfixiante sobretodo gracias a las brillantes interpretaciones de Patrick Wilson y Ellen Page. Los sarcásticos diálogos –a ratos monólogos- que mantiene la protagonista con el fotógrafo actúan como motor de la acción de la historia. Es sorprendente cómo la película llega a provocar asco, malestar, incomodidad, quizás hasta náuseas y todo ello sin que haya ni un solo plano explícito ni desagradable. Las imágenes sugieren más que muestran, juegan con el espectador, despiertan el pánico y el terror por lo que nunca se ve.

Se trata del primer film como director de David Slade, quien cuenta con una notable experiencia dentro del mundo de la publicidad y de los videoclips. Y ese estilo publicitario se nota sobre todo en planteamiento estético de la película (planos cortos, imágenes muy nítidas, etc.) Es frecuente el contraste de colores rojos (del vestuario de la niña) y el juego cromático entre la pared de color rojo y la sangre. Además, la niña va vestida con un atuendo rojo cual caperucita, pero en este caso el cuento se invierte y es caperucita la que se merienda al lobo. La película logra atrapar la atención del espectador sin necesidad de recurrir a efectos especiales, ni cambios de escenarios (prácticamente la totalidad de la historia se desarrolla en el piso del fotógrafo) y con poquísimos personajes (la mayor parte del metraje la ocupan la pareja protagonista). Para enganchar al espectador su mayor baza es el diálogo entre los dos personajes, unas conversaciones que mantienen en vilo a aquel que está siguiendo la historia.

El inicio quizá es algo forzado ya que los personajes se dan a conocer de forma superficial y el thriller se plantea de forma algo brusca. Pero a continuación, el ritmo se desarrolla de forma radicalmente más lenta –que no tediosa- pero logrando que el espectador se mantenga en tensión en la mayor parte del metraje. Una historia que juega con la psique del expectador, hasta llegar hacérselo pasar realmente mal aunque sin ver una gota de sangre mas allá de algún rasguño. Otro punto a su favor es que no señala a ninguno de los dos personajes como bueno o malo. Por momentos no sabemos quien nos resulta más terrorífico: la adolescente con tintes psicópatas o el fotógrafo que se entretiene fotografiando niñas desnudas. La película se limita a mostrarnos a ambos para que sea el espectador quién juzgue.

El final es algo confuso puesto que no quedan totalmente claras las justificaciones de los actos de los protagonistas. Existe una carencia de motivos realmente entendibles que no muestran los protagonistas, ya que Hayley parece actuar simplemente por despecho, sin que lleguemos a comprender sus motivaciones reales. Si bien se dejan entrever algunas justificaciones de su modo de actuar, también es cierto que los motivos no son del todo creíbles. Pero aunque la historia tiene algunas carencias en cuanto a verosimilitud (las conversaciones maduras de la niña son más propias de una universitaria que de una estudiante de colegio), lo cierto es que esa falta de realidad no impide que el espectador se sumerja en la angustiante atmósfera y llegue a introducirse de lleno en la historia.

Aviso: Los espectadores sensibles mejor que se abstengan (sobretodo los de género masculino verán la películan bien encogidos en sus asientos...)

Valoración:

NUEVO BLOG: Cinempatia

2007-01-10T16:16:00.000+01:00

Tengo el placer de presentaros un nuevo proyecto en el que nos hemos embarcado unos cuantos bloggers cinéfilos y una servidora. Cinempatía es un blog colectivo en el que podéis encontrar todo lo relacionado con el mundo del cine: críticas, noticias, trailers, cine clásico, DVD, entre otras secciones que iremos perfilando en los próximos días.

No hace falta que diga que las críticas de Rod@ndo se publicarán también en Cinempatia, así que iré publicando en ambos blogs. Espero que los lectores de Rod@ndo se acerquen a echar un vistazo a este nuevo proyecto y que disfruten con este nuevo rincón casi tanto como los que escribimos los contenidos....

Accede a Cinempatía desde aquí (y guárdatela en tus Favoritos ;-) )

PD: Actualización: no penséis que voy a dejar de escribir aquí ni mucho menos, ya conseguiré repartir mi tiempo entre los dos blogs...

Saludos desde Rod@ndo!

UN BUEN AÑO (Estrenos DVD)

2007-01-08T12:01:00.000+01:00

Nada nuevo bajo el sol... de la Toscana

Con un título nada sugerente (Un buen año) ha llegado a nuestros videoclubs la última creación del director de El Gladiador, una comedia romántica que pasó (como muchas otras) sin pena ni gloria por nuestras carteleras.

Después participar en la producción de una soporífera adaptación de la leyenda de Tristán e Isolda, Ridley Scott ha vuelto a confiar en Russell Crowe como protagonista de una trama cargada de tópicos pero con un ritmo constante que consigue distraer (e incluso conmover) a aquellos que se dejen cautivar por la historia.

Crowe es Max Skinner, un frío y calculador agente de bolsa de Londres que vuelve a su Francia natal para heredar las posesiones de su tío fallecido Henry. En cuanto se entera de la trágica noticia, Max decide tomarse unas vacaciones y acudir a su país natal para arreglar los papeles necesarios para poder viñedos y de la casa familiar. Es obvio que estas propiedades representan para Max todos los recuerdos de su niñez, y de ahí el dilema que se presentará a lo largo de la película, con el agravante de que se siente profundamente atraído por una lugareña.

Argumento previsible en el que se mezclan recuerdos de la infancia, un nuevo amor y una sorpresa también de la mano de otra mujer. Un ambiente rural en el que no faltan las cepas de vino, la buena música y el ambiente familiar que recuerda a otras producciones como Un paseo por las nubes o Bajo el sol de la Toscana. Quizá los mejores momentos de la película son los recuerdos de la infancia del protagonista, en los que Albert Finney (como el Tío Henry) y Freddie Highmore (interpretando a Max de niño) mantienen conversaciones en las que se entrevé la complicidad entre ellos.

Una historia de evolución psicológica de personajes (en este caso el interpretado por Crowe) ambientada en la campiña provenzal con una puesta en escena (fotografía y música) dignas de un maestro de la dirección como lo es el propio Scott. Eso sí, no aporta apenas ningún elemento de originalidad ni se trata de una reinterpretación del género de las comedias románticas por lo que los que más la disfrutarán serán aquellos que esperen exclusivamente ese tipo de entretenimiento. Una comedia romántica sin sorpresas, lo cual puede ser algo bueno o malo, dependiendo del gusto personal de cada espectador.

Recomendada para los emparejados y los que añoran a su tío el del pueblo

Valoración:

LA VERDAD OCULTA (Proof) (DVD)

2007-01-02T15:35:00.000+01:00

Mientras recupero la inspiración perdida durante las fiestas, inauguraré el año con una crítica recuperada de mi pequeño anterior blog que pasó bastante inadvertida pero que no está de más leer antes de alquilar el DVD del que hablo.

A pesar de la expectación generada por esta película (basada en la obra teatral de David Auburn, ganadora de un Pulitzer), mi opinión personal dista mucho de la mayoría de la crítica. Este aburrídisimo drama no está reco-mendado para verlo por las noches ya que lo más seguro es que no llegues a los títulos de crédito....Gwyneth Paltrow interpreta a Catherine, la hija de un brillante matemático recientemente fallecido (el veterano Anthony Hopkins), que pasó los últimos años de su existencia preso de una locura esporádica. Su hija tiene un carácer bastante inestable y ella teme que se cumpla aquel refrán de "de tal palo tal astilla".

Al estilo de Una mente maravillosa (pero sin llegar a su altura), la historia gira alrededor de la figura del matemático loco y a partir de su relación con su hija llegamos a "conocerlo" mejor. Después de la muerte de Robert, Catherine comienza una relación con Hal (Jake Gyllenhall, más conocido por su papel de cowboy atípico), que fue ayudante de su padre en vida, quien ayudará a Cath a resolver el misterio sobre unos manuscritos matemáticos de dudosa autoría. La trama gira eternamente sobre la autoría de dichos manuscritos: ¿son creación de Catherine o de su padre?. Es fácil adivinar el final... En definitiva, es una lástima que un tema interesante como el de la locura y el ingenio pueda convertirse en un efectivo somnífero. Quizá el director debería haber profundizado más en la psicología de los personajes para lograr la complicidad del espectador.

Recomendada para fans de Gwyneh Paltrow y para quienes temen que se les pegue algo de sus padres.

Valoración:

PD: Hurgando en la filmografía del director de La verdad oculta he visto que está preparando una nueva película titulada Killshot, otra adaptación de novela, en este caso la de Elmore Leonard. Parece que de momento sabemos poco del argumento: "Carmen Colson (Diane Lane) es una agente de la propiedad inomobiliaria casada felizmente con Wayne (Thomas Jane), un hombre parado al que convence para que haga una entrevista en su empresa (FILMAFFINITY)". Una mezcla de thriller, acción y drama (todavía parece que no está convenientemente calificada) que de momento está en fase de producción.

EL INTRUSO (Estrenos DVD)

2006-12-29T16:21:00.000+01:00

El intruso (Enduring Love) es la última película de Roger Mitchell, una adaptación del best-seller "Amor perdurable" de Ian McEwan, que se ha convertido en un thriller británico pausado, pero sin caer en el aburrimiento. A muchos les sonará el nombre del director por la famosa "Notting Hill" y por ese motivo muchos podrían echarse atrás a la hora de ir a ver esta película pensando que se trata de una nueva comedia romántica. Nada más lejos de la realidad. Es un thriller psicológico que cuenta la historia de cómo una vida sencilla, tranquila y feliz, se desequilibra tras un incidente y la insistencia obsesiva de un personaje interpretado magistralmente por Rhys Ifans (conocido por su papel de compañero de piso de Hugh Grant en Notting Hill)

La historia empieza de una forma de lo más inocente. Joe (un soberbio Daniel Craig, el nuevo James Bond) tiene algo que decirle a Claire (Samantha Morton), su pareja. Para ello ha elegido un precioso día soleado de picnic en el campo. Pero un aparentemente inofensivo globo aerostático va a dejar una terrible huella sobre la memoria de ambos, aunque será más intensa en la de Joe... Ese día aparentemente sin importancia va a marcar la existencia de todos los personajes de la película.

A partir de ese día, Joe no puede dejar de pensar en que podía haber evitado lo que ocurrió en día del incidente con el globo, con lo que ese sentimiento de culpa termina convirtiéndose en una obsesión. Un día recibe una llamada de Jed Parry ( Rhys Ifans ), una de las personas que estaban allí aquel día, expresándole su necesidad de verle. Jed insiste en que han compartido un momento trascendental y por lo tanto algo les une desde el día del incidente con el globo. La película trata del impacto de los acontecimientos casuales de nuestras vidas y la manera en que esos sucesos extraños pueden desquebrajar irremediablemente nuestras vidas. Como reflexionó un crítico del Chicago Sun-Times acerca de la película, resulta interesante la forma de plantearse el conflicto: " La mayor parte de las películas se centran en lo que sucede. Pocas películas se cuestionan lo que sucede, y menos aún tratan el hecho de que podemos decidir, la mayor parte de las veces, sobre lo que sucede y qué hacer al respecto".

La película se beneficia de un guión en el que lo más importante no son los hechos que van sucediendo sino los miedos, obsesiones y deseos de los protagonistas. Este es un gran reto cinematográficamente hablando, ya que los sentimientos parecen más sencillos de explicar con palabras (como ocurre en las novelas) que únicamente con imágenes. Aunque lo mejor y lo peor (porque puede resultar reiterativo) es la continua reflexión que se plantean los personajes acerca del único hecho (pero fundamental) que conduce la narración. Un hecho que cada uno de ellos se plantea e interpreta de distinta forma. Pero a un inicio magistral (con la brillante escena del globo) capaz de enganchar al espectador en la historia tras pocos segundos le sigue un desarrollo que en ocasiones puede parecer algo lento. Si bien es cierto que la película cuenta con bastantes escenas sugerentes e intrigantes gracias a las cuales se va sosteniendo la narración. Ejemplo de ello es la escena del cumpleaños en la que sobran las palabras para conocer los pensamientos más íntimos de cada uno.

Por último, la historia se pregunta si el amor realmente perdura, si es para siempre. El personaje de Joe tiene una visión nihilista de la vida y el amor ya que opina que el amor es una ilusión y la vida no tiene ningún sentido (aparte del biológico) aunque nos empeñamos en dárselo. En la película se habla de diferentes tipos de amor pero al final se llega a la misma conclusión: el amor existe por sí mismo y no hay que buscarle ninguna explicación racional.

PD: Apuesto a que con la crítica no queda demasiado claro qué importancia tiene el tema del amor en la historia pero eso es algo que no me gustaría desvelar para que podáis comprobarlo mejor con vuestros propios ojos.

Lo mejor: la escena inicial del globo y las interpretaciones de Craig e Ifans

Lo peor: la pérdida de tensión narrativa en algunos momentos

Valoración:

Persiguiendo un sueño

2006-12-27T12:39:00.000+01:00

Cotilleando en youtube he encontrado un corto de animación en 3D con un mensaje muy tierno y optimista. Espero que lo disfrutéis tanto como yo:

AZULOSCUROCASINEGRO (Estrenos DVD)

2006-12-24T20:25:00.000+01:00

Vidas en construcción

Azules son los trajes que viste Jorge cuando se tiene que enfrentar a una entrevista de trabajo. Pero él prefiere el traje negro que siempre ve en un escaparate cada vez que pasa por una tienda de su barrio. Pero lo relevante no es el traje en sí si no lo que representa porque Azuloscurocasinegro es una historia repleta de metáforas. Igual que ocurre con los trajes, Jorge aspira a un trabajo mejor que el de portero. Esta es una metáfora de la lucha por mejorar en una sociedad cada vez más competitiva en la que es difícil progresar.

El color azul oscuro (casi negro) es también el que desprende la vida de los jóvenes que aparecen en la historia, unos chicos que se encuentran en el difícil proceso de construir o reconstruir su propia identidad, tanto personal como profesional. La situación es más preocupante sobre todo en el caso de Jorge, quien se ve obligado a tener que hacer frente a la incapacidad de moverse de su padre tras un infarto, a la vez que se preocupa de sus estudios; demasiada responsabilidad para un joven que acaba de empezar su carrera. Sin embargo, Jorge demuestra la fortaleza de seguir adelante sin rendirse por verlo todo negro.

Es la historia de batalla personal por la supervivencia en un mundo competitivo y hostil que crea individuos frustrados. El personaje de Jorge representa la lucha contra el destino de cada uno, las ganas de superación y el deseo de vivir una vida que nadie elija por él. Jorge no se encuentra conforme trabajando de portero, oficio legado de su padre, si no que quiere un trabajo "mejor", lo que se supone le proporcionará unas "mejores" condiciones de vida. Pelea con todas sus fuerzas para conseguirlo porque no quiere vivir una vida que no ha elegido. Pero lo interesante no es si lo conseguirá o no, si no el desarrollo de la película que a la vez conlleva el desarrollo vital del protagonista. Un crecimiento personal en el que le acompañarán un hermano que pasas sus días en la cárcel y un amigo obsesionado con espiar a sus vecinos a través de sus prismáticos. Paula, la novia del hermano de Jorge, quien también se encuentra en prisión, cambiará sin quererlo la vida de los dos hermanos. Según se va desarrollando la historia, las vidas de todos ellos se van entrelazando hasta convertirse en una misma lucha por la libertad de cada uno de poder elegir su camino vital.

Pero aunque se trata de una temática de barrio, eso no impide que la puesta en escena y el montaje sean originales y profundamente cuidados al detalle. Las vidas de Jorge y la presidiaria Paula se van fundiendo literalmente en la pantalla, utilizando recursos visuales y sonoros. Pero estos recursos estilísticos no son artificiosos, todo lo contrario, la película desprende un halo de verdad, de realismo, de forma que cualquiera puede sentirse identificado directa o indirectamente con lo que les ocurre a los protagonistas. Además del acierto en la cuidada estética, lo que más cautiva de la película es el estado emocional en el que nos sumerge. Una mezcla triste de ternura y humor que no deja frío ni al más indiferente. El profundo drama se matiza con momentos de tinte humorístico como la escena final entre el hijo y el padre en la puerta del masajista, seguramente con la intención de desmitificar las desgracias y aligerar el sufrimiento de los personajes.

Porque los protagonistas de esta historia esconden aspectos de su vida y se siguen engañando a sí mismos, de ahí el regusto agridulce que se queda en el paladar del espectador una vez termina la película. Sin embargo detrás del drama, la historia esconde un halo de optimismo porque, tal y como reza el cartel de la película: si no te gusta el color de tu vida puedes ser capaz de cambiarlo. Porque la vida no es en blanco y negro ni de un solo color, es caleidoscópica, está llena de matices y la única forma de sobrevivir es intentar observarla desde todos los ángulos posibles, hasta poder verla en el color que mejor nos define.

Lo mejor: la sensibilidad y elegancia con la que está rodada

Lo peor: si conectas con la historia, no querrás que termine

Valoración:

PD: No incluyo el trailer porque considero se disfruta mejor sin saber nada o casi nada del argumento, de ahí que intente destripar lo menos posible en la crítica.

NUEVE VIDAS (Estrenos DVD)

2006-12-22T20:46:00.000+01:00

Cualquier persona tiene una historia que contar. En esta película se cuentan nueve historias: nueve vidas. En cada episodio, el final es como un impacto en el estómago, golpea la conciencia y deja reflexionando al espectador. Es la narración, rodada en una única secuencia, de nueve relatos, nueve fragmentos de vida de nueve mujeres de edades, condiciones y personalidades diferentes, pero que en esencia son la misma. Cada una atraviesa una situación distinta, pero que se convierte en su propia encrucijada emocional.

Retazos de vida de apenas quince minutos cada uno que conforman un retrato universal de la esencia femenina. Una inmersión tan profunda en la personalidad de la mujer no podía haberse captado mejor que, como en este caso, con planos cortos que nos acercan a los personajes, con una cámara que acompaña y sigue sus movimientos y que convierte al espectador en testimonio directo de lo que allí ocurre.

Sandra es una inmigrante que pasa sus días encerrada en prisión y vive con la impotencia de no poder salir a abrazar a su hija pequeña. Diana (Robin Wright Penn), una embarazada que ve cómo su estabilidad emocional se tambalea al encontrarse con un amor pasado. En la emotiva escena del reencuentro en el supermercado, el afecto parece volver a renacer entre la pareja, es más, se trata de un sentimiento que no los abandonó nunca. Otra de las piezas muestra el estado de ansiedad que padece una mujer en la antesala de una operación quirúrgica, momento intenso que incluso llega a arrebatar una sonrisa nerviosa al espectador. El amor, el dolor, el sexo, la muerte y la soledad, se mezclan en estas historias siendo la expresión de la vida misma. Aunque el conjunto de las historias es algo irregular, por el hecho de que algunas historias se muestras más desarrolladas que otras, se logra mantener el ritmo sin apenas decaer en toda la cinta.

Trailer de Nueve Vidas

Con una puesta en escena aparentemente sobria pero impecable y una banda sonora suave como una caricia, el director de Cosas que diría con sólo mirarla e hijo del escritor Gabriel García Marquez se confirma una vez más como un sabio conocedor de la psicología femenina y que cuenta con una sensibilidad especial para plasmar en imágenes el sentimiento humano. Quizá no llegue a obra maestra por la falta de mayor cohesión entre las historias, pero la ventaja que tiene la película es que hace intuir que nos encontramos con un director prometedor a la hora de bucear en las emociones más íntimas de cada uno.

Valoración:

PD: ¡¡¡FELICES FIESTAS !!!! Os deseo que paséis unas navidades de cine...

CANDIDATAS A LOS PREMIOS GOYA 2007

2006-12-18T16:23:00.000+01:00

Desde esta mañana ya conocemos los nombres de las películas que optarán a los premios Goya 2007.

Sin ninguna sorpresa en la decisión, Alatriste, Volver y el Laberinto del fauno son las que cuentan con más nominaciones (15, 14 13, respectivamente, todas ellas nominadas a mejor película y mejor director, entre otras categorías). Salvador está nominada como mejor película y mejor director.

A continuación la lista de candidaturas:

MEJOR PELÍCULA

Volver

Alatriste

Salvador

El laberinto del fauno

MEJOR DIRECTOR

Agustín Díaz-Yanes, por ‘Alatriste’

Guillermo del Toro, por ‘El laberinto del fauno’

Manuel Huerga, por ‘Salvador’

Pedro Almodóvar, por ‘Volver’

MEJOR ACTOR

Daniel Brühl, por ‘Salvador’

Juan Diego, por ‘Vete de mí’

Sergi López, por ‘El laberinto del fauno’

Viggo Mortensen, por ‘Alatriste’

MEJOR ACTRIZ

Maribel Verdú, por ‘El laberinto del fauno’

Marta Etura, por ‘Azuloscurocasinegro’

Penélope Cruz, por ‘Volver’

Silvia Abascal, por ‘La dama boba’

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Antonio de la Torre, por ‘Azuloscurocasinegro’

Juan Echanove, por ‘Alatriste’

Juan Diego Botto, por ‘Vete de mí’

Leonardo Sbaraglia, por ‘Salvador’

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Ariadna Gil, por ‘Alatriste’

Blanca Portillo, por ‘Volver’

Carmen Maura, por ‘Volver’

Lola Dueñas, por ‘Volver’

MEJOR DIRECTOR NOVEL

Carlos Iglesias, por ‘Un franco, 14 pesetas’

Daniel Sánchez Arévalo, por ‘Azuloscurocasinegro’

Javier Rebollo, por ‘Lo que sé de Lola’

Jorge Sánchez Cabezudo, por ‘La noche de los girasoles’

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Alberto Amarilla, por ‘El camino de los ingleses’

Javier Cifrián, por ‘El próximo Oriente’

Quim Gutiérrez, por ‘Azuloscurocasinegro’

Walter Vidarte, por ‘La noche de los girasoles’

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Ariana Ugarte, por ‘Cabeza de perro’

Ivana Baquero, por ‘El laberinto del fauno’

Bebe, por ‘La educación de las hadas’

Verónica Echegui, por ‘Yo soy la Juani’

Es probable, según indica esta clasificación, que el Goya a mejor actriz de reparto recaiga en Volver (personalmente, me encantó Carmen Maura en su extraño papel) y me atrevo a vaticinar los ganadores de las categorías de mejor actor y mejor actriz, ya que parece seguro que serán Sergi López, por su brutal interpretación en El laberinto de el fauno y Penélope Cruz, por su papel en Volver (ya ha sido nominada a los Globos de Oro, la antesala de los Oscars). Por lo que respecta a la categoría de mejor director novel, creo que me uno al resto de la crítica y espero que se reconozca el brillante trabajo de Daniel Sánchez Arévalo en su ópera prima Azuloscurocasinegro.

¿Quién creéis que ganará cada categoría o quién os gustaría que ganase cada premio?

BORAT: ¿El nuevo Torrente de Kazajistán?

2006-12-12T19:36:00.000+01:00

Quizá esperaba una crítica más demoledora del sistema tradicional americano. Quizá esperaba reírme más con esta surrealista historia que se vende como una comedia políticamente incorrecta pero que no es mucho más que una sucesión de gags escatológicos que caen en el ridículo absoluto y en el mal gusto (incluso llegó a recordarme a Jackass en algunos momentos).

Para el que todavía no lo conozca, Borat Sagdiyev es un personaje ficticio de la televisión británica interpretado por Sacha Baron Cohen. Borat se considera el segundo periodista más famoso de Kazajstán al que envían a EEUU para aprender sobre su cultura y su sistema político. Así arranca la surrealista pelicula, cuyo objetivo máximo parece ser criticar los valores más tradicionales y profundos norteamericanos. Un tipo de lo más peculiar cuyas aficiones se basan en el ping-pong, la lucha libre, bailar música disco y disparar a perros.

Borat es un personaje polémico, sobre todo porque constantemente manifiesta su antisemitismo, su descarada misoginia (las mujeres sólo son para él meras prostitutas su intolerancia y falta de respeto ante cualquier tipo de colectivos (se atreve a meterse incluso con los disminuidos). Sin embargo, Sacha Baron Cohen es judío. Por ese motivo los defensores de Cohen dicen que la actitud de Borat no se puede considerar racista sino que encarna una parodia sobre el antisemitismo en la sociedad americana. Lo que no está tan claro es si público mayoritario que acudirá a los cines a ver la película, el de los adolescentes, se lo tomará como una parodia o si la historia contribuirá a reforzar los estereotipos y los prejuicios que puedan tener con respecto a los países del este europeo.

Personalmente, lo que más me ha gustado no ha sido tanto el humor escatólogico ni las payasadas sino el hecho de que Sacha Baron Cohen, con su personaje, pone en evidencia la hipocresia que se respira en la sociedad norte-americana y sirve como vehículo de reflexión acerca de lo que consideramos como sociedad civilizada. La escena en la que Borat se encuentra enmedio de la apoteósica celebración de una reunión de católicos fanáticos es para estreme-cerse si nos paramos a pensar en que son los mismos individuos que votan a Bush en las elecciones presidenciales y los que se exasperan ante el fanatismo islámico. El sistema de entrevistas irreverentes adoptado por el atípico reportero consigue sacar a relucir las más bajas miserias de los americanos.

La última broma reside en la contradicción de que la película está arrasando en la taquilla norteamericana, precisamente el lugar al que la historia se dirige su crítica. Lo cierto es que el personaje no puede dejar indiferente a nadie, pero no sé hasta que punto merece la pena gastarse el dinero de una entrada de cine para ver semejante canallada.

Recomendada para los que disfrutan riéndose de si mismos y de los demás

Valoración:

(A todas las películas le doy como mínimo una estatuílla, a ésta dos únicamente por su tono provocador)

Intrigas de aldea (LA NOCHE DE LOS GIRASOLES)

2006-12-08T17:36:00.000+01:00

La noche de los girasoles es una original historia de suspense rural ambientada en un pueblo tranquilo en el que parece que nunca pasa nada. Es el relato de una noche en la que la vida de unos personajes cambia por com-pleto tras vivir una situación límite que los marca a todos de una manera u otra. Una película de intriga, de suspense policial a raíz de un asesinato en el que debido a una serie de casualidades se ven implicadas un grupo de personas desconocidas entre ellas.

Pedro (Mariano Alameda) y Esteban (Carmelo Gómez) son dos espeleólogos que llegan a un pueblo de una zona de montaña para explorar una cueva. La novia de Esteban, Gabi, les acompaña hasta allí pero no entra con ellos y decide esperarlos en un paraje cercano, al pie de la montaña. Pero cuando los espeolólogos regresan, se encuentran a Gabi presa de un ataque de ansiedad. En cuanto tienen la oportu-nidad, los chicos deciden vengarse de la persona que ha atemorizado a Gabi pero erróneamente asesinan a otro individuo que tiene la mala fortuna de aparecer en el momento equivocado.

La historia se estructura en forma de puzzle en el que las piezas van encajando poco a poco a lo largo de la historia. Cada capítulo de la historia se encabeza por un rótulo que puede darnos pistas sobre sus prota-gonistas (el hombre del motel, los espeleólogos, el hombre del cami-no) y no sigue un orden lineal sino que el director juega a explicar la historia mediante saltos en el tiempo o flashbacks de manera que la historia se cuenta desde todos los puntos de vista de los distintos personajes. No obstante, a pesar de saber el final de algunas secuencias, el interés del espectador por saber cómo se desarrolla la historia permanece intacto. La trama está perfectamente explicada aunque deja algún cabo suelto. SPOILER (Para leer el spoiler, seleccionar el texto que viene a continuación): No se entiende por qué motivo el loco del pueblo es capaz de ver al hombre del camino en su casa si ya lo habían enterrado (a no ser que sean, casualmente, imaginaciones suyas).
FIN DEL SPOILER

El director sabe dosificar la tensión durante toda la historia aunque es a partir del punto de inflexión que supone el asesinato cuando el espectador no deja de sorprenderse y no deja de hacer cábalas sobre lo que va sucediendo. La escasez de luz ayuda a fomentar esa atmós-fera intrigante, de manera que se consigue un ambiente en el que todo parece posible.

Aparte de una película de suspense, se trata de una drama de desarrollo de personajes e incluso de una historia costumbrista en la que se refleja la preocupación en los pueblos por su casi inevitable abandono. La ópera prima del español Jorge Sánchez-Cabezudo cuenta como protagonistas con Carmelo Gómez, Judith Diakhate, Celso Bugallo, Manuel Morón, Mariano Alameda y Vicente Romero. Las interpretaciones son destacables en su totalidad pero quizá el papel más inquietante lo encarna el jefe de policía (Celso Bugallo). El personaje del jefe de policía se encuentra en el dilema de elegir entre actuar según lo que le dicta su ética profesional o según sus propios intereses.

El cineasta explicó en una entrevista que le interesaba mucho profundizar en el desarrollo psicológico de los personajes: "son personajes corrientes enfrentados a situaciones extremas, y quizá uno de los grandes objetivos de la película sea precisamente el de plantear cómo esa gente corriente puede llegar a provocar una situación tan complicada y dramática; cuáles son las circunstancias, y los mecanismos psicológicos, personales y emocionales que les llevan a hacer lo que hacen y sobre todo a justificarse en sus acciones para seguir viviendo. No es una película de buenos y malos, es una película de personajes muy humanos".

Una historia que nos hace reflexionar sobre las casualidades, sobre la mala suerte, sobre cómo te puede cambiar la vida en una sola noche y cómo la vida de muchas personas puede cambiar a raíz de una sola circunstancia o a raíz de la actuación de una sola persona. Una drama que deja un halo de tristeza, de fatalidad, porque lo que se narra desde la ficción puede acercarse mucho a nuestra realidad.

Recomendada para los que les creen que en el campo no ocurre nunca nada

Lo mejor: el original montaje, la intriga, la temática y la interpretación de Celso Bugallo.

Lo peor: la lentitud en la que se desarrolla el primer tercio de la historia

Valoración:

(En DVD a partir del 17 de enero de 2007)

EL ILUSIONISTA

2006-12-05T17:45:00.000+01:00

Cuando asistimos a un espectáculo de magia, muchas veces tenemos miedo de enterarnos del truco y dejar atrás esa aura de misterio que envuelve a todos los juegos de magia. Pero en El Ilusionista, tanto el príncipe de Viena como el cuerpo de la policía del lugar están obsesionados con descubrir cuáles son los secretos que esconde el mago Eisenheim (Edward Norton). Y es que sus trucos son tan espectaculares que parecen fruto de algún extraño poder sobrenatural.

La historia empieza, como es imaginable, con el mago Eiseheim mostrando sus habilidades artísticas en el escenario, con un público encandilado ante sus misteriosos trucos. A partir de aquí, la película se desarrolla en un flashback que explicará los inicios del protagonista como mago desde su infancia hasta su éxito.

Desde que era un adolescente, Eiseheim estaba enamorado perdidamente de Sophie von Teschen, (interpretada por la inexpresiva Jessica Biel), un amor correspondido que se ve truncado pero que vuelve a avivarse años más tarde. Como son personas de distinta clase y condición social vivirán una relación clandestina al más puro estilo de Romeo y Julieta. Se ven obligados a separarse y se encuentran cuando son adultos pero la bella Sophie era ya la prometida del príncipe de Viena (Rufus Sewell). Todo serán impedimentos para el mago puesto que tanto el príncipe como el policía intentarán a toda costa descubrir sus trucos. Pero la historia de amor es el elemento menos desarrollado y que prometía más desde un principio. Quizá el hecho de que la película esté narrada desde el punto de vista del personaje del detective policía interpretado por Paul Giamatti genera un distanciamiento del espectador con respecto a la pareja, de manera que tras un inicio prometedor, cuesta hacerse cómplices de su pasión y sentir empatía por los personajes.

Pero no se trata sólo de una historia de amor y magia sino que básicamente es una película de suspense en la que el espectador se preguntará si todo lo que está viendo es real o es producto de la ficción creada por el mago. Con la muerte de uno de los personajes, la historia tomará caminos de intriga policial, de aquellas en la que el espectador puede jugar a adivinar quién es el asesino.

En el plano técnico hay que destacar una banda sonora y una ambientación cuidadas al detalle que consiguen recrear a la perfección la atmósfera de luces y sombras que se vivía en la Viena del año 1900. El guión es correcto aunque sufre algunos altibajos: después de un prometedor inicio llega a un punto de inflexión de estancamiento narrativo que se prolonga hasta casi el final. Un final, que aunque puede llegar a intuirse, no deja de sorprender. La historia se resuelve bien de forma que en el puzzle de la película, todas las piezas acaban encajando a la perfección.

Dejando a un lado las posibles carencias, el público que más disfrutará la película será el que esté dispuesto a dejarse llevar, y creer que las maravillosas ilusiones creadas por el mago tienen algo de realidad. Si dejamos a un lado la lógica llega un punto en el que no nos cuestionaremos los trucos y podremos disfrutar plenamente de los espectáculos de magia.

Una historia entretenida, un drama amable sin más pretensiones que entretener cual espectáculo de magia y que consigue notablemente su propósito. La historia ejemplifica la eterna lucha entre la lógica (la razón) y la emoción, la ilusión. Pero, tal y como se plantea en la película, ¿en la ilusión estará la verdad?

Recomendada para los que aún se sienten como niños y los que creen en la magia del amor

Valoración:

PD: Post dedicado especialmente a Laura porque sé que esperaba mi crítica, espero que no te decepcione. Al resto de lector@s no hace falta que recuerde que podéis solicitarme las críticas que más os apetezca leer y espero poder ayudaros en lo que haga falta. ¡Feliz puente!

PEQUEÑA MISS SUNSHINE

2006-11-30T19:48:00.000+01:00

"En esta vida hay dos clases de personas: los triunfadores y los fracasados. ¿Sabéis cuál es la diferencia? Que los triunfadores pelean por lo que quieren". El padre de Olivia (Greg Kinnear) tiene muy claro cuál es la supuesta fórmula del éxito. Como buen optimista, sueña con que su familia alcance el éxito y por ello apoya a su hija pequeña de siete años en su decisión de presentarse a un concurso de belleza infantil en el que la ganadora es coronada como Pequeña Miss Sunhine.

Toda la película se centra en el accidentado viaje que emprende esta peculiar familia en su destartalada furgoneta hacia California , lugar donde se celebra el concurso. Pero como en toda roadmovie que se precie, el viaje cambiará la vida de los personajes (perfectamente interpretados) y fortalecerá la relación entre los integrantes de la extraña familia.

Una familia en la que conviven un descarado y divertidísimo abuelo (Allan Arkin) adicto a las drogas, un tío suicida, un hermano que hace huelga de silencio hasta que no le permitan apuntarse a una escuela de pilotos, una madre de personalidad inocente (Tonny Collette) pero que sirve de eje principal de la familia y un padre obsesivo con el éxito. Paradóji-camente, la persona que se muestra más madura de la familia es la pequeña Olivia (Abigail Breslin).

La niña no parece encuadrar en el prototipo de belleza que buscan en el concurso (tiene los dientes separados y usa gafas enormes) pero su ilusión es convertirse en modelo y se esforzará todo lo posible para conseguirlo. Aunque la ilusión a veces se desvanecerá y la niña caerá en el desánimo y se sentirá fracasada. Su abuelo le explica que ella no es una fracasada, porque "los fracasados son los que renuncian a intentarlo por miedo a no conseguirlo" y ella no cesa de intentarlo. Con un guiño a Proust en otra de sus escenas, la película nos muestra que el triunfo en la vida es algo relativo y que no tiene porque coincidir con la imagen del éxito que impera en la sociedad.

Una crítica feroz, aparentemente ligera, del sueño americano, representado en la figura del obsesivo padre y en los concursos de belleza. La competitividad de la sociedad se ve ejemplificada en las pruebas de talento a las que se ven sometidas las participantes del concurso. Porque la sociedad nos obliga a exigirnos cada vez más de nosotros mismos, y nos lleva a la frustración frente los éxitos de los demás. Tal y como plantea el personaje del hermano de la pequeña Olivia, "la vida es un concurso de belleza detrás de otro".

A pesar del indiscutible drama que sugiere, Pequeña Miss Sunshine es una comedia tierna, divertida, con momentos surrealistas como la vida misma. Porque la vida está cargada de momentos en los que nos sentimos unos perdedores, y otros en los que el mayor triunfo es poder ser nosotros mismos.

Valoración:

VA SER QUE NADIE ES PERFECTO

2006-11-27T12:52:00.000+01:00

Rubén es sordo, Carlos es ciego y Dani es cojo. Los tres amigos se reunen para celebrar la despedida de soltero de uno de ellos, en la que será la noche que cambiará sus vidas. Esa noche, cada uno de llos lograrán cumplir un sueño. Rubén (el sordo), cantar. Dani (el cojo), bailar en el agua, y Carlos, (el ciego) conducir un coche a toda velocidad.

La última creación de Joaquín Oristrell pone sobre la mesa los problemas de las personas discapacitadas, un tema poco habitual en los guiones cinematográficos (sobretodo en los españoles). La historia muestra algunas barreras (tanto arquitectónicas como sociales) con las que se encuentran las personas que poseen algun tipo de discapacidad.

Un ejemplo de situación problemática para los protagonistas se muestra en la escena en la cual el grupo de amigos discute a la puerta del cine si van a ver una película extranjera en versión original subtitulada o si la verán doblada. Lo que puede parecer un detalle sin importancia es todo un dilema puesto que el ciego, obviamente, es incapaz de ver los subtítulos y el sordo, si eligen ver la película doblada, no será capaz de entender la película al conocer el idioma, ya que sólo puede leer los labios. Destacan por su calidad las actuaciones de José Luis García Pérez, en el personaje de cojo gruñón y Santi Millán, quien -sin caer en la caricatura- logra hablar como lo haría una persona con problemas de auditivos.

Pero lo más interesante de la historia es que no se desarrolla bajo un tono lastimero o de victimismo sino con la mayor normalidad. Albert Espinosa se atreve incluso a introducir toques humorísticos en el guión, sin caer en la falta de respeto hacia el colectivo al que se refiere. El hecho de que el guionista sea cojo influye sin duda en el acertado tratamiento de la historia. Espinosa ya es todo un experto en escribir sobre temas de los que la gente rehuye hablar y hacerlo desde la perspectiva de la comedia. Escribió una entrañable historia sobre niños con leucemia (4ªPlanta) repleta de amistad, ternura y en la que no faltó el humor, ironizó sobre la muerte en 65 minutos y en esta ocasión nos habla de los minusválidos pero no desde la postura de la lástima hacia ellos, sino con la intención de que los veamos como personas no tan distintas a nosotros y tan válidas y capaces como cualquier otra.

Como viene siendo habitual en algunas películas que pueblan nuestras carteleras, el trailer y el cartel no hacen justicia a Va a ser que nadie es perfecto ya que la venden como una comedia ligera para adolescentes, cuando se trata de un producto de mucha más profundidad psicológica. Quizá el público que espere una comedia en la que las risas sean una constante se verá decepcionado por esta comedia impregnada de drama.

El mensaje que se deriva de la pelicula es, según Joaquin oristrell que “detrás de cualquier persona, ocurra lo que le ocurra, hay un ser humano. Hay que mirar a ese ser humano y no a la discapacidad”. La historia nos anima a no dar la espalda a las personas que son diferentes a nosotros porque todos tenemos alguna carencia. El director confiesa en una entrevista que lo que más le gustó del guión fue la idea de que todos tenemos alguna discapacidad, almenos alguna emocional. Oristrell explica: “Todos somos ciegos, cojos y sordos, porque todos tenemos carencias emocionales y sentimentales. A veces somos sordos ante las cosas que tenemos que oír, ciegos ante las cosas que no queremos ver, y cojos porque llegamos tarde a muchos sitios”.

Una comedia que emociona, entretiene y sirve al mismo tiempo para concienciarnos de que los minusválidos son ante todo humanos: son personas que sienten, se enamoran, tienen sus miedos, sufren, y tienen ganas de divertirse como cualquier otra persona, e incluso de reírse de ellos mismos.

Valoración:

ROD@NDO EN EL RANKING DE BLOGS DE CINE ESPAÑOLES

2006-11-25T20:15:00.000+01:00

Todavía estoy que no me lo creo...¡Cuál ha sido mi sorpresa cuando al mirar las páginas que enlazan a Rod@ndo me doy cuenta de que hemos entrado en la lista de blogs de cine de España más leídos! Todo un privilegio que sinceramente no esperaba... (he tenido que mirar dos veces para ver si era una coña y no os engaño...) Rod@ndo aparece en la nada despreciable 19ª posición de entre los 30 blogs de cine más visitados de España según el 'Ránking de Blogs de Cine de España' de alianzo.com.

Sólo decir que sin vuestras visitas esto no sería posible y que me gustaría daros las gracias a tod@s aquellos que han pasado por este blog, y en especial a aquellos que se han tomado la molestia de dejar sus comentarios.

Le agradezco también a Josmachine su ayuda para la inclusión de las imágenes y le felicito por figurar en el ranking.

Saludos cinéfilos desde Rod@ndo!

EL PERFUME

2006-11-24T16:05:00.000+01:00

Para despertar nuestros sentidos

A pesar de que la adaptación cinematográfica del libro más exitoso de Patrick Süskind no ha contado nunca con el beneplácito de su autor, el director alemán Tom Tykwer ha conseguido estrenar hoy la película El Perfume, un thriller ambientado en la Europa del siglo XVIII que desprende un irresistible olor a éxito tanto en taquilla como en cuanto a crítica.

Es la historia de un asesino obsesionado con el aroma de sus víctimas. Un asesino con una personalidad inocente a la vez que peligrosa que se considera ante todo un artista que busca aprender a conservar el olor corporal de las personas. El protagonista, Grenouille (Ben Whishaw) conoce a una adolescente, Laura Richis (Rachel Hurdwood), de cuyo olor queda prendado de tal forma que no cesará en su empeño hasta apoderarse de él. Un punto de partida sumamente inquietante para la que se consolida como la película más cara de la historia del cine alemán, con un presupuesto de 50 millones de euros.

El director pretende sumergir al espectador de la película en el universo de los olores que se respiraban en la Francia del siglo XIX, y para ello en el rodaje llenó de suciedad las calles del barrio gótico de Barcelona, lugar donde se filmaron varias escenas de la película. Un universo de olores que viviremos si nos ponemos en la piel del protagonista de una historia que, en su versión literaria, ha vendido más de doce millones de ejemplares en todo el mundo. ¿Logrará la película sugerir los aromas como la novela? Por que, como reza el trailer, el alma de los seres es su perfume...

Trailer de El Perfume

Página oficial de la película en castellano

Fragmento del libro El Perfume (1985)

HIJOS DE LOS HOMBRES

2006-11-18T13:29:00.000+01:00

Incertidumbre de un futuro estéril

Imaginaos que estamos en el año 2027 y la humanidad está abocada a su destrucción porque no nacen más niños en el mundo. Alfonso Cuarón vuelve a sorprendernos y a cambiar de registro (recordemos que ha dirigido títulos tan dispares como una de las entregas de Harry Potter y la excitante Y tú mamá también) con una historia de ciencia ficción que cuenta con suficiente elementos de realidad como para que el espectador se conmueva ante la catástrofe que se narra.

Hijos de los hombres es una adaptación de una novela de P.D. James que recrea un futuro apocalíptico y desolador en el que la raza humana está condenada a desaparecer porque debido a una extraña epidemia -que no queda muy bien definida- los hombres y mujeres no son capaces de tener descendencia. Un mundo estéril, infértil, en estado constante de guerra y conflicto, con un gobierno incompetente que, inexplicablemente, se encarga de facilitar el suicidio de los ciudadanos administrándoles una especie de kits de ayuda al suicidio. Resulta aterrador comprobar cómo les bombardean con la idea a través de anuncios de televisión, como si de cualquier otro producto se tratase.

Un gobierno que no sabe hacer frente al problema de una inmigración masiva, a la cual ignora y desprecia. Las calles del mundo aparecen repletas de jaulas en las que se encuentran aprisionados los extranjeros, al estilo de los campos de concentración. Puede parecer paradójico pero ante la mirada pasiva del gobierno, los grupos terroristas parecen ser los únicos preocupados por el progreso de la humanidad. Y es que la película nos enseña que no hay buenos o malos, sólo personas que intentan sobrevivir de la mejor forma que pueden.

El ambiente de destrucción está perfectamente perfilado en la película: calles pobladas de residuos en las que el olor a destrucción casi es capaz de traspasar la pantalla, montañas humanas de inmigrantes hacinados en jaulas cual animales peligrosos, caos circulatorio, desorden generalizado, La imagen viva del caos y la decadencia de la raza humana. Pero el caos que refleja la película no es el tipo de caos que nos suele mostrar la ciencia ficción (con invasiones alienígenas al estilo de La guerra de los Mundos) sino uno mucho más estremecedor porque parece una advertencia de que si el mundo sigue por el mismo camino, la situación que se nos muestra puede llegar a convertirse en una realidad...

La angustia y desolación de conocer la proximidad del fin del universo impregna todas las escenas de la película, pero se echa de menos un poco de más de implicación emocional por parte de los protagonistas frente a la catástrofe, en especial el personaje protagonista que interpreta Clive Owen. Ejemplo de lo que hablamos es la actitud serena, hierática, que muestra el personaje cuando muere su padre, actitud poco común ante un hecho de tal magnitud emocional. Aunque quizá es comprensible en la situación de resignación ante la catástrofe que viven.

Pero no todo es desesperanza ya que queda una última mujer embarazada puede ser la salvación de la humanidad y el personaje de Clive Owen será el encargado de protegerla y acompañarla en su búsqueda de lo que denominan Proyecto humano, un conjunto de intelectuales que trabajan en una iniciativa con la esperanza de construir un mundo mejor. Precisamente es una mujer inmigrante la que lleva en su vientre la esperanza para la humanidad, mientras el gobierno no quiere abrir los ojos a la inmigración.

La película transcurre en constante tensión de no saber qué deparará el futuro a Owen y a su protegida. Menos mal que Michael Caine se ocupa de ofrecer la nota humorística, con su papel de padre hippie del protagonista, el único que parece no haber perdido la ilusión por la vida.

El final, aunque puede intuirse, consigue emocionar y abrir un pequeño resquicio de esperanza en medio de una historia en la que la resignación ante la tragedia humana sobrevuela un mundo roto por el dolor.

Recomendada para los que creen que el fin del mundo está a la vuelta de la esquina...

Valoración:

FILMOTECH: ¿Una alternativa a la piratería?

2006-11-15T19:33:00.000+01:00

El pasado mes de octubre se dio a conocer la noticia del nuevo proyecto de la Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales (EGEDA) para intentar acabar con la piratería.

Filmotech pretende aglutinar todo tipo de películas y contenidos audiovisuales españoles a modo de videoclub online. Una librería digital que aspira a convertirse en una especie de base de datos del cine español y a incorporar más adelante películas extranjeras.

Según sus creadores, la idea surge con la intención de que con el cine no se dé el mismo fenómeno que con la música, por lo que respecta a la piratería. Para lograrlo, Filmotech promete facilitar el acceso a sus usuarios ofreciendo un precio menor que el que se paga por el alquiler de un DVD.

EGEDA ya cuenta con unas 6.000 películas contratadas con productores, con una previsión de digitalización anual de entre 400 y 500 películas. Como si de un DVD convencional se tratase, las películas de Filmotech contarán con contenidos extras sobre rodajes, opiniones de directores o estrenos, entre otros datos.

Está por ver si la iniciativa logra competir con éxito con la práctica cada vez más común de la descarga de ficheros ilegales por internet o si se queda en un mero intento.

DESMADRE A LA AMERICANA: JACKASS 2

2006-11-09T18:11:00.000+01:00

Antes de su estreno el 3 de noviembre ya se podían ver en Internet algunas imágenes de la segunda entrega de la "película" gamberra Jackass, basada en un programa de televisión americano de la MTV. Sorprende comprobar que el director de semejante película es nada más y nada menos que Spike Jonze (el director de la nada despreciable Cómo ser John Malkovich), lo que demuestra que el poder del dinero es muy sugerente...

Para los que no conozcan la primera parte de la película, se trata de una compilación de momentos absurdos protagonizados por una pandilla de amigos que se dedican a hacer gamberradas a diestro y siniestro (se golpean, comen y beben asquerosidades e incluso se introducen un coche de juguete por el susodicho...). Es el clásico (pero más exagerado) reto entre colegas que consiste básicamente en que cada uno hace algo más atrevido que el anterior, a ver quien la hace "más gorda"...

El director describe la película como "el paso a la madurez de nueve muchachos que recorren el mundo en busca de amor y compañía". Pero la película no es ni mucho menos tan inocente como dice sostiene su creador: en esta entrega podemos ver introducirse sanguijuelas en los ojos o duchas de abono fermentado, entre otras "lindezas". Incluso se rumorea que han censurado unas imágenes reales en la que uno de los protagonistas ingería semen de caballo para no tener que calificar la película como “no recomendada para menores de 18 años”. Pero dejando a un lado esa escena ¿está realmente indicada para menores?

Y yo me pregunto: ¿Qué tipo de mente perversa puede idear semejantes peripecias? ¿Es por diversión, por amor al riesgo o es puro desquicie mental?. Lo que está claro es que este tipo de películas no puede beneficiar en absoluto la madurez mental de los muchachos que la vean, más bien todo lo contrario...

O a lo mejor resulta que la provocación es el colmo de la originalidad... ¿Alguien puede estar de acuerdo con la opinión de que la película "logra algunos de los momentos más logrados de comedia catártica, descarada y liberada de los últimos tiempos",
como asegura The New York Times?

Trailer de Jackasss 2

Valoración:

LA HUELLA DEL SILENCIO ("Bee season")

2006-11-05T19:05:00.000+01:00

O con los años estoy perdiendo la paciencia, o será que últimamente me encuentro con el mismo tipo de películas: eternamente largas (en este caso 104 interminables minutos) a las que no merece demasiado la pena esperar al final.

Atraída por la sugerente frase del cartel: "Las cosas que más callamos son las que más duelen", me he llevado una decepción al ver la última película de los directores Scott McGehee y David Siegel

Eliza Naumann (Flora Cross) es una niña que pasa desapercibida por su familia hasta que empieza a ganar campeonatos de deletrear palabras. La extraordinaria habilidad de la niña llama la atención de su padre Saúl , (un siempre atractivo pero inexpresivo Richard Gere), que ejerce como profesor de teología obsesionado con su religión ( la judía ) y vuelca todo su tiempo e ilusión en la pequeña para convertirla en un pequeño genio. En vista del talento de la niña, su padre pretende que alcance un estado de sabiduría absoluta a través de la repetición de palabras a modo de mantra, de manera que la pequeña pueda alcanzar un estado superior de consciencia.

Mientras tanto, el hermano adoslescente, Aaron, (Max Minghella) escapa del vacío de su existencia introduciéndose en el mundo de la religión budista, de la mano de una jovencita de su edad.

El argumento es absurdo, aunque pretencioso. Una familia presuntamente idílica esconde muchos secretos oscuros, y te pasas toda la película intentando averiguar lo que les ocurre y cuando lo descubres no te puede parecer más absurdo. La madre (una angustiadísima Juliette Binoche) se pasa toda la película buscando algo que desconocemos mostrando una actitud de ansiedad totalmente injustificada hasta el punto que terrmina totalmente desquiciada. El clima de desconcierto (que no de intriga) invade toda la película de forma que es de aquel tipo de historias en las que no entiendes nada de lo que sucede hasta el final, un final precipitado y que no deja más que un sabor de indiferencia en el espectador.

Es posible que en EE.UU. tenga más sentido debido a la mayor popularidad de estos concursos (el documental Spellbound estuvo nominado a los Oscars) o a la mayor proporción de creyentes judíos, pero en mi opinión, lo que podía haber sido una especie de American Beauty, se convierte en una historia mediocre.

Recomendada para los fans de La Ruleta de la Fortuna o los seguidores del judaísmo.

(A la venta en DVD)

Valoración:

LA CASA DEL LAGO

2006-11-02T18:15:00.000+01:00

Un amor en tiempos distintos

Un hombre y una mujer mantienen correspondencia, con la peculiaridad que están separados en el tiempo por dos años. Él vive en el año 2004 y ella en el año 2006, pero gracias a un buzón mágico pueden mantener una relación epistolar en tiempo real. Ambos están (o se sienten) solos en la vida e inician una relación por carta a raíz de haber vivido en la misma casa. El buzón de la casa del lago es como un nexo de unión entre las dos épocas, los dos tiempos. El amor a distancia surgirá entre la pareja pero pensarán que jamás lograrán verse. Pero el hecho de que vivan en tiempos distintos no será un impedimento para puedan encontrarse en algunos momentos.

Como protagonistas, el primer trabajo del argentino Alejando Agresti cuenta con las interpretaciones de Sandra Bullock y Keanu Reeves, la mítica pareja de Speed que aquí vuelve a serlo. La casa del lago es el remake americano de una película de Corea del Sur (Il Mare) estrenada en el año 2000. De ahí que el ritmo de la cinta sea tan pausado, y que quizás baje la tensión de la película hacia la mitad.

Pero para disfrutar de la película hay que dejar los prejuicios y la lógica a un lado por lo irreal de la situación. La película nos invita a dejar de ser nosotros mismos por un momento y a imaginar una vida mejor. Nos invita a dejarnos llevar por los sueños, a no conformarnos con una vida cómoda cuando podemos tener otra mejor.

La protagonista, Kate Foster (Sandra Bullock), mantiene una relación formal con el que parece el compañero ideal pero no está conforme con su vida. Paradójicamente, a pesar de estar separados en el tiempo, junto a Alex, (Keanu Reeves), Kate consigue disfrutar de un amor pleno.

La protagonista se pregunta: ¿qué pasa si vives toda una vida y nadie te espera? La película nos enseña que vale la pena esperar por amor, por un amor auténtico y plantea el dilema entre renunciar al verdadero amor por una vida con menos complicaciones o hacer todo lo posible para mantenerlo. El eterno dilema entre renunciar o luchar por el verdadero amor, por difícil que sea.

La historia está bastante bien construida, los dos tiempos de la narración están bien entrelazados y me parece se justifican los momentos en los que la pareja consigue coincidir en el tiempo gracias a la casualidad o al destino. Otro aspecto destacable es la cuidada fotografía de la película, la estética de las imágenes es impecable. Pero quizá serán los más románticos los que disfruten más de esta historia, que aunque no deja de ser previsible, no es exagerado tener pañuelos del papel al lado por si llega a desbordarse la emoción contenida.

Lo peor: la irrealidad de la historia

Lo mejor: el mensaje esperanzador de la historia de amor y la esmerada fotografía

Recomendada para los que todavía creen en el destino y en que el amor todo lo consigue.

(A la venta en DVD)

SCOOP

2006-10-27T18:40:00.000+02:00

La nueva entrega anual del gran Woody Allen ya está desde hoy en nuestras pantallas, coincidiendo a la vez con la salida a la venta del DVD de Match Point. Para que luego digan que los intelectuales no tienen visión de negocio...

En esta ocasión Allen abandona el drama y recupera su vertiente clásica más cómica a la que nos tiene acostumbrados.
Pero aunque algunas situaciones de Scoop recuerdan a otras comedias del director como Misterioso asesinato en Manhattan o La maldición del escorpión de Jade, la nueva película está años luz de aquellas hilarantes comedias.

En este caso, el punto cómico lo monopoliza el personaje interpretado por el mismo director, quien se mete en la piel de un extravagante mago que ayuda a una estudiante de periodismo a resolver un caso de asesinato. El personaje interpretado por Woody Allen, lejos de provocar la risa tiene el riesgo de caer en la caricatura constante, un histrionismo que puede resultar cansino para el espectador. De la misma forma, a Scarlett Johanson parece sentarle mejor la faceta de seductora que la cómica.

El argumento no deja de ser el de una película de suspense, en este caso con tintes cómicos. Sondra Pransky (Scarlett Johansson) es una estudiante americana de periodismo que se encuentra en Gran Bretaña visitando unos amigos. Durante su estancia en Londres, acude a un espectáculo de magia, donde el ilusionista le hace subir al escenario, para realizar uno de sus trucos en el que ella debe desaparecer. Mientras Sondra está esperando “desmaterializarse”, recibe la visita del fantasma de un reportero fallecido, que le dará la exclusiva del año. El espíritu le revela que Peter Lyman, el rico y atractivo hijo de un conocido aristócrata británico, está llevando una doble vida como el “Asesino del Tarot”, un asesino en serie que lleva tiempo aterrorizando el país. Con la ayuda del mago, Sondra empieza a investigar la noticia y consigue juntar ciertas evidencias incriminatorias contra Lyman. Cuanto más sabe de él, más peligrosa se vuelve la investigación, sobre todo cuando empieza a enamorarse del atractivo presunto asesino.

Pese a que como es habitual en el director el argumento se resuelve sin brusquedad al final, en este caso cae en lo previsible, algo que le resta interés a la película durante su visionado. De la misma forma, los diálogos, punto fuerte del director, son en este caso más bien flojos exceptuando alguna frase brillante.

Un aspecto a destacar en la película es la lección de buen periodismo de investigación que aporta el director en la película mediante el personaje de Scarlett Johanson. Durante toda la película se nos mostrará lo que un periodista debe o no debe hacer para conseguir una información veraz. La estudiante debe poner empeño en investigar profundamente el caso del asesinato para demostrar que tiene una exclusiva respecto a la autoría del crimen.

La obsesión de Allen con el tema de la muerte vuelve a estar presente en esta película, como es habitual, de forma cómica. Para representarla, Allen recurre a los clásicos y recupera el personaje del barquero Caronte, quien acompaña a los difuntos en su viaje por el río hacia los infiernos. El director suele ironizar sobre la muerte porque en el fondo le aterra. En una entrevista al dominical de El Periódico de este mismo sábado, Allen confiesa: "Me aterra envejecer, porque me acerca la muerte, que me asusta. Quizá por eso me río tanto de ella. Siempre he pensado que cuanto más miedo da algo, más divertidos son los chistes que se pueden hacer sobre ese tema".

Pero a pesar de las deficiencias, hay que reconocer que las películas del director neoyorquino superan con creces a la mayoría de comedias en cuanto a calidad se refiere y es lógico que con tantas películas que salen de su imaginación, no todas se conviertan en obras maestras.

Lo mejor: que a pesar de las carencias, en la película se respira la esencia de Woody Allen

Lo peor: la previsibilidad del argumento y las exageradas interpretaciones

Recomendada solamente para seguidores incondicionales del genio neoyorquino.

Para el que quiera saber más sobre Scoop, enlazo otra entrevista al director a propósito de la película.

Tráiler de Scoop

ESTRENOS DE LA SEMANA (20 de Octubre)

2006-10-21T12:42:00.000+02:00

Para los amantes del cine negro

LA DALIA NEGRA

Mientras esperamos que llegue el día 27 de octubre para ver la nueva comedia de Woody Allen, podemos ver a Scarlett Johanson en la historia de una investigación real sobre un famoso asesinato que tuvo lugar en Los Ángeles de los años cuarenta. La Dalia negra es una historia de obsesión, amor, corrupción, avaricia y depravación que nos muestra la investigación del caso por parte de dos ex boxeadores detectives.

Esta nueva creación del director de L.A. Confidential, Brian de Palma, está basada en en la novela de James Ellroy, a quien el caso de La Dalia Negra ya le marcó desde niño. Pero lo que realmente animó al escritor a narrar la historia fue el asesinato de su madre. El cadáver de la mujer aparació con una media en el cuello y nunca se encontró el asesino.

Para los que creen en un futuro estéril

HIJOS DE LOS HOMBRES

Imaginad por un momento que en un futuro no muy lejano vivimos en un mundo en el que las mujeres no pueden tener hijos y donde los inmigrantes son retenidos en campos de concentración.
Si creéis que esto no puede ser posible es que no habéis visto la última película del director de Harry Potter e Y tu mamá también, el mexicano Alfonso Cuarón que nos ofrece una película de ciencia ficción que plantea una hipótesis desoladora para un futuro próximo.

Hijos de los hombres plantea el drama que supone el caos y el desasosiego que reina en el planeta en el año 2.207 tras una inexplicable racha de infertilidad y en el que la última mujer embarazada trata como puede de sobrevivir.

Para las familias diferentes

PEQUEÑA MISS SUNSHINE

Porque no todas las familias son iguales,en la roadmovie Pequeña Miss Sunshine se nos presenta una familia de lo más peculiar que viaja a bordo de una destartalada furgoneta para acompañar a la hija pequeña a un concurso de belleza. Pero el argumento parece ser lo de menos, lo interesante es asistir a las relaciones que se dan entre los miembros de la desequilibrada familia: un padre perdedor, un abuelo drogadicto o un hijo en huelga de silencio (hasta que le permitan entrar en las fuerzas aéreas). Una comedia creada por unos realizadores de videoclips (Jonathan Dayton y Valiere Faris) que parece prometer más de una risa.

EN TIERRA DE HOMBRES (2005)

2006-10-18T22:50:00.000+02:00

Las minas no son para las mujeres...

O eso es lo que creen los hombres de North Country cuando allá por los ochenta, empiezan a trabajar mujeres en la mina de dicha región. Sin embargo, allí aparece Charlize Theron para demostrar lo contrario.

“En tierra de hombres" es la película que nominó a Charlize Theron para el Oscar a la mejor actriz principal, por segundo año consecutivo. La interpretación de Theron en esta película de la directora Niki Caro vuelve a sorprender gratamente tras su transformación en “Monster”, cinta en la que interpretaba a una prostituta y asesina, condenada a muerte en 2002.

En este nuevo drama, la actriz encarna al personaje de Josey Aimes, una maltratada madre de dos niños que regresa a su pueblo natal tras abandonar a su marido y que decide trabajar en la mina porque el oficio le reporta más dinero que cualquier otro. Por supuesto, el hecho de que las mujeres trabajen en la mina no está bien visto en el tradicional pueblo de North Country por lo que el personaje de Josey se enfrenta con sus padres (Richard Jenkins y Sissi Spacek) y al resto de compañeros de la mina, quienes ven amenazados sus puestos de trabajos por las mujeres y descargan sus iras con acosos sexuales y humillaciones hacia sus compañeras.

Pero el personaje de Charlize Theron no se resigna y lucha para que se respeten sus derechos presentando una demanda contra sus superiores por su indiferencia frente a los acosos que sufrían las mujeres en la mina. Josey contó con el apoyo de sus compañeras para interponer la demanda, una acción judicial que se convertiría en la primera demanda conjunta (“class action”, en inglés) por acoso sexual, y que terminaría por modificar la legislación en toda América.

Tres líneas argumentales se entremezclan en el guión en tres tiempos diferentes: el juicio, los problemas en la mina que sufre la protagonista y la adolescencia de ésta en el pueblo se muestran de manera alterna, según se va desarrollando la declaración como testigo de Josey. Al final de la película -bastante predecible- se unen los tres tiempos del guión con bastante soltura. Maltratos, abusos sexuales, madres solteras, enfermedades degenerativas, problemas generacionales entre padre/hija o madre/hijo, secuestro de niños....conflictos que sin duda buscan tocar la fibra sensible de espectador, por lo que en esta película no hay espacio para la comedia.

Otro punto débil puede ser el hecho de que quizá debido a la enorme cantidad de personajes que aparecen en la película, es imposible que todos ellos aparezcan perfectamente psicológicamente perfilados. La interpretación de Charlize Theron, en cambio, se convierte en el epicentro de la película y hace que merezca la pena esperar a ver el predecible final.

Lo mejor: La interpretación de Chalize Theron y la cruda realidad de la historia.

Lo peor: Los personajes secundarios están psicológicamente desdibujados.

NUEVO FORO

2006-10-14T15:06:00.000+02:00

ACTUALIZACIÓN: Aunque no lo parezca he actualizado lo que pasa es que guardé la entrada como borrador y ahora aparece debajo de este post: es mi crítica a una película estrenada en 2005 titulada "15 días contigo". Os invito a leerla!!

Para lograr una mayor interactividad entre los lectores de Rod@ndo (aun más si cabe) se ha creado un foro al que podéis entrar mediante el enlace que se ve en la sidebar (parte izquierda de la pantalla, apartado "MAS RODANDO").

Por el momento hay activa una encuesta y un apartado de cortos en el que os animo a incluir todos aquellos cortometrajes que consideréis dignos de ver.

Por otro lado, sobra decir que el foro está abierto a todo tipo de comentarios (sobre cine, preferiblemente).

Saludos desde Rod@ndo y feliz puenteee!!!

15 DIAS CONTIGO (2005)

2006-10-13T18:50:00.000+02:00

Al margen de la sociedad

"No hay persona más desgraciada que la que no sabe ver lo que tiene" reflexiona Isabelita ( Isabel Ampudia), una mujer de mediana edad que sale de la cárcel y se encuentra en la difícil situación de tener que buscarse la vida como puede. A través del personaje de Isabelita, el director de 15 días contigo reflexiona sobre la vida acomodada que disfruta la mayoría de la sociedad y lo poco que valoramos lo que tenemos.

El cineasta Jesús Ponce debuta en la gran pantalla con la dirección y el guión de una película que surgió de un reportaje fotográfico que el director realizó en 1992 a gente que vivía en la calle. La idea se desarrolló hasta llegar al guión actual, donde Isabel y Rufo encarnan "a esos mendigos que vemos todos los días en la calle".

La película nos enseña a relativizar los problemas, ya que por muy difícil sea nuestra situación siempre habrá alguien que se encuentra en unas circunstancias peores. Pero el tema fundamental de 15 días contigo es la reinserción de los presos: esas personas invisibles para la sociedad. La historia muestra cómo se desprecia a las personas que no han tenido la suerte o la oportunidad de integrarse en la sociedad y que se convierten en marginados. Desgraciadamente, existen tres comportamientos habituales frente a este tipo de personas: la indiferencia, el miedo (a lo desconocido) o el desprecio y maltrato.

Es hora de que dejemos las hipocresías a un lado porque: ¿Quién no se ha cambiado de acera en la calle alguna vez al ver a una persona con aspecto de drogadicta? Esta película nos ayuda a dejar a un lado los prejuicios y acercarnos a aquellas personas que por motivos varios viven al margen de la sociedad, los outsiders. La historia nos descubre que ellos son personas como las demás, con sentimientos y sueños, no son tan distintas a nosotros, a la gente "normal". Como todos, sufren de soledad, tienen ilusiones, sueños (más modestos –sueñan con salir a cenar-)

La película muestra la contradicción que impera en el mercado laboral fundamentada en la idea de cómo hasta para pedir trabajo hace falta dinero. Isabelita, tras intentar encontrar un trabajo sin éxito, decide permanecer al margen del sistema: vive en la calle y se las arregla como puede para sobrevivir: limpia los cristales de los escaparates a cambio de la voluntad. Una voluntad que no acostumbra a ser muy generosa en cuestión de dinero... Pero Isabelita no está sola sino que tiene un compañero con el que comparte su vida. Rufo (Sebastián Haro) es drogadicto y gana algún dinero para sobrevivir ayudando a aparcar coches. La vida de esa peculiar pareja también tiene momentos cómicos pero de esos que dejan un regustillo amargo en el paladar del espectador.

Es la tierna y a la vez dura historia de quince días con una pareja de amigos, Isabelita y Rufus. La historia de sus vivencias cotidianas, problemas y alegrías. "Lo malo de salir de la cárcel es ver cómo todo cambia y te quedas atrás. Y cuando te quedas atrás es para siempre", reflexiona Isabelita. Pero al final de la historia siempre queda un hueco para la esperanza, para que la amargura se suavice y algunos sueños se hagan realidad...¿Conseguirán Isabelita y Rufus rehacer su vida?

ESTRENOS DE LA SEMANA (13 de Octubre)

2006-10-13T11:37:00.000+02:00

Para soñar...

EL LABERINTO DEL FAUNO

La última y esperada película del director mexicano Guillermo del Toro está ambientada en tiempos de la España franquista y está protagonizada por una niña con una poderosa imaginación gracias a la cual se evade de la realidad opresora del momento.

Ofelia, una niña de unos 10 años, se muda con su madre embarazada a una casa rural donde vive su nuevo marido, un capitán del ejército franquista decidido a acabar con las últimas milicias republicanas que se ocultan en el monte. Ofelia es una niña muy imaginativa que se cree la reencarnación de una princesa de cuento, pronto contactará con un hada que le dirigirá hasta el citado fauno del título, un ser que la guiará a través de tres pruebas que la llevarán a recuperar su memoria y su reino perdido.

Trailer de El laberinto del fauno

A pesar de que el 'El Laberinto del Fauno' fue rodada íntegramente en nuestro país, con actores españoles, México se ha adjudicado la autoría de la película y ahora la han elegido como la película que representa a dicho país de cara a las futuras nominaciones a los Oscar en la categoría de película de habla no inglesa. Las primeras críticas apuntan a que El Laberinto del fauno puede llegar a ser una feroz competencia a Volver en los Oscars...

Para los diferentes...

LAS PARTÍCULAS ELEMENTALES

Basada en la polémica novela de Michel Houllebecq, el director Oskar Roehler crea la historia de dos hermanos con vidas e intereses contrarios. Uno de ellos carece de experiencias amorosas mientras que el otro es adicto al sexo. Una película que muestra cómo dos personas completamente distintas pueden llegar a entenderse a pesar de sus continuas diferencias.

Para adentrarse en los entresijos del cerebro...

CABEZA DE PERRO

El director español Santi Amodeo nos cuenta la historia de un joven interpetado por Juan José Ballesta ( El Bola, Planta 4ª y 7 Vírgenes) que desde su nacimiento sufre una enfermedad neurológica. Sus sentidos se entorpecen y a veces es incapaz de oir, otras veces es incapaz de hablar o incluso de ver. Por ese motivo siempre estuvo sobreprotegido por su familia hasta que conoce a una chica mayor con la que iniciará una insual relación.

TAPAS (2005)

2006-10-07T20:01:00.000+02:00

Destapando la realidad

Gambas al ajillo, croquetas, boquerones en vinagre, chipirones, calamares a la romana, tortilla de patatas, banderillas picantes... Existen tapas de todos los tipos: más ácidas, más saladas, más dulces... La carta de la película Tapas reúne todos los ingredientes y sabores para lograr la categoría de cinco tenedores.

Tras triunfar en el Festival de Cine Español de Malága, donde obtuvo el galardón a la Mejor Película, el Premio del público y el de Mejor Actriz, el éxito de esta tragicomedia parece asegurado.Al otro lado de los fogones, los chefs José Corbacho y Juan Cruz han elaborado su ópera prima a fuego lento, puesto que han tardado más de cuatro años en dar forma a su plato maestro. Una ración agridulce en el que se mezclan las historias de gente corriente que vive en un barrio de ciudad y que deja entrever sus miedos, sus esperanzas y sus desengaños.

Los directores y guionistas José Corbacho y Juan Cruz llevan al espectador de tapas por un barrio de la ciudad del Hospitalet dando un paseo por las vidas de cinco personajes tan cotidianos que nos resultan familiares. Son personajes muy distintos pero con algo en común: todos tienen algún secreto que esconder, algo que tapar. Todos tapan sus miserias bajo una falsa apariencia de honestidad. De ahí el doble significado del título de la película.

El tema: de secretos, inseguridades y miserias

Por un lado la cinta habla de las cotidianas tapas de comer con las que todo el mundo ha crecido, mientras que por otro subraya los secretos o inseguridades que tapa la gente a diario. El personaje al que da vida María Galiana ("Solas") es uno de los más sorprendentes en cuanto a secretos inconfesables se refiere, sobretodo por el sobresueldo que obtiene trapicheando con los jóvenes a los que vende drogas sin que nadie lo sospeche.

En una sociedad como la nuestra en la que lo más importante no es ser sino parecer, la hipocresía y la mentira están a la orden del día. No hay más que darse una vuelta por cualquier bar y tomarse unas tapitas para comprobar que el insustancial contacto social se nutre de cotilleos sobre los vecinos o de comentarios superficiales sobre el devenir del país. Conversaciones en las que esta especie de comunicación banal sirva, quizá además, para tapar o enmascarar la existencia de uno mismo.

Los personajes: historias de gente de barrio

Por la película desfilan personajes que podríamos encontrar en cualquier barrio de cualquier ciudad. Seguramente, todos conocemos al típico dueño del bar de la esquina del barrio como Lolo (Ángel de Andrés), cuya mujer lo abandona porque antepone su negocio a su relación y que, en un principio, no es capaz de tragarse su orgullo e ir a buscarla. En torno a la historia de Lolo y Mao, su nuevo ayudante de cocina recién llegado de China, gira algunas de las escenas más divertidas y más satíricas de la película.

Quizá también nos habremos cruzado alguna vez con un par de adolescentes inconscientes que sólo viven para ligar y se cobijan en las drogas para evadirse de su cotidianidad. Raquel, en cambio, es una mujer que ronda la cuarentena y que se refugia en la soledad del ciberespacio sin esperanzas de encontrar un amante real hasta que un día un joven le devuelve la vida que creía perdida. Una brillante Elvira Mínguez a quien no le hace falta palabras para expresar la amargura y el desencanto que transpira su personaje.

La historia de amor sin límites de la anciana que sólo vive para satisfacer a su marido enfermo le da a la película una pincelada de ternura. Y es que aunque la película adquiere el tono de una comedia ligera, en los resquicios de la narración se cuela de forma imperceptible un aire de tristeza que congela la sonrisa para convertirla en una mueca dolorosa. Y es que la vida -como reza el cartel de la película- es como los pimientos del padrón, a veces pica… y a veces no.

Directores: cronistas de la realidad

Al estilo de otros directores españoles como Fernando León de Aranoa (Barrio, Los lunes al sol) o Icíar Bollaín (Flores de otro mundo, Te doy mis ojos), pero con unas dosis de humor, Corbacho y Cruz retratan la realidad de la sociedad española de manera bastante fiel y sin estridencias.

En tiempos de jedis, efectos especiales y superproducciones hollywoodienses es difícil para una película de tintes realistas sobrevivir en las carteleras. No obstante, el filme reúne los ingredientes precisos para que el público se quede enganchado a la butaca durante los 93 minutos que dura la cinta.

Quizá su escasa duración impide que el espectador profundice un poco más en las historias, que deguste mejor un plato que puede dejar con hambre de más. Y es que cuando las luces de la sala se encienden, el espectador sigue digiriendo la historia, en la que cualquiera puede ver reflejada su propia vida, sus ilusiones y desengaños.

Porque en la película aparecen temas universales como la soledad, la muerte, el amor, el sexo, la amistad o la esperanza. Cotidianidades con las que conviven los personajes de esta película y con las que nos enfrentamos todos a diario. Porque cualquiera de nosotros podría ser protagonista de esta historia. ¿O acaso existe alguien que no "tape" nada?

RECUPERANDO POSTS

2006-10-07T19:56:00.000+02:00

En vistas de que estos días ando un poco escasa de tiempo para ver películas, voy a recuperar todas las críticas que publiqué en mi anterior blog para así tenerlas ordenadas en éste. Así que los que ya visitábais mi anterior rincón no os sorpendáis si ya os suenan las críticas que publique... En todo caso, procuraré también introducir noticias o noticias de estrenos que sean de interés.

Saludos desde Rod@ndo y buen fin de semana!!

RESULTADOS DE LA ENCUESTA: ¿Cuál crees que tiene más posibilidades de llevarse un Oscar?

2006-10-02T19:15:00.000+02:00

Lo cierto es que esta encuesta sido relámpago ya que no calculaba que sabríamos tan pronto la resolución de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

El caso es que l@s lector@s de Rod@ndo (5 votos de 6) han coincidido con la Academia española de cine con su voto a Volver, como la película española que tiene más posibilidades de ganar la estatuílla de Hollywood.

Pero aún está por ver si la película más reciente de Almodóvar consigue entrar en el grupo de las cinco candidatas a la categoría de mejor película de habla no inglesa en la próxima edición de los Oscars....

Cuando se conozcan los nombres de las cinco candidatas se publicará aquí una encuesta para que podáis votar la que os parezca que va ganar.

SEPARADOS

2006-10-02T18:17:00.000+02:00

Cuando se acaba el amor...

Chico conoce a chica. Se enamoran, discuten, se separan, pero al final el amor puede con todos los problemas y la pareja acaba otra vez unida como al principio. Así se desarrollan la mayoría de comedias románticas que han pasado por nuestras pantallas. Pero, ¿no os habéis preguntado nunca qué ocurre con esas parejas unos años después? ¿Cómo sobrellevarán la rutina? O, ¿qué sucede cuando aparecen las manías, los reproches o las pequeñas riñas cotidianas?

Separados parte del momento en que una pareja decide abandonar su relación después de dos años de convivencia. Así, la película -a pesar de tratar el tema de la relación entre parejas-no sigue el clásico esquema argumental de las comedias románticas, por lo que se convierte en una anticomedia romántica.

La película cuenta la historia de Gary (Vince Vaughn) y Brooke (Jennifer Aniston), dos personas que, a pesar de ser diametralmente opuestas (ella trabaja en una galería de arte moderno y él es guía turístico de autobús) comparten felizmente sus vidas. Todo va bien hasta que un día, tras una discusión trivial, terminan rompiendo la relación. Presos del orgullo, ninguno de los dos estará dispuesto a abandonar el piso que tienen en común, por lo que se dedicarán a boicotearse con el objetivo de echar al otro del apartamento. En esta peculiar guerra que mantienen, se dan las situaciones más cómicas de la película.

Con unos diálogos bastante brillantes para lo habitual en este tipo de películas, Separados da un paso más allá en el género de las comedias románticas. La película se podría catalogar como comedia dramática, aunque en mi opinión, tiene mucho más drama que comedia. Por supuesto que hay momentos de humor, pero que son breves descansos de la amargura que se desprende de toda la historia. Lo que sorprende este tipo de películas -como la muy recomendable El hombre del tiempo- es la enorme capacidad que tenemos de reírnos de las desgracias ajenas, un sonrisa que no llega a ser cruel pero que se provoca por la contemplación de los desastres vitales de los protagonistas.

Más amarga que dulce, Separados es el retrato de un episodio en la vida de una pareja cualquiera, con escenas reales como la vida misma, sin idealizaciones ni finales románticos de cuento de hadas. El espectador que se sienta a ver la historia de estos personajes tiene la sensación de estar asistiendo al desmoronamiento real de una relación.

Lo mejor: el inesperado final y el personaje que interpreta Jon Favreau, el bruto amigo de Gary (foto 3, junto a Vince Vaughn)

Lo peor: los momentos que pretenden ser cómicos y resultan ridículos

Recomendación: no ver esta película en caso de ruptura reciente ya que puede herir sensibilidades...

ALMODÓVAR VUELVE A HOLLYWOOD

2006-09-28T19:47:00.000+02:00

Hoy se ha anunciado el nombre de la película que va a representar a España en el festival de los Oscars. Volver, la última creación del director Pedro Almodóvar, ha sido la elegida para representar a nuestro país en Hollywood. El día 23 de enero se sabrá si la decimosexta película de Almodóvar entra en el grupo de las cinco candidatas a la categoría de mejor película de habla no inglesa, en la edición número 79 de los Oscars, que se celebrará el próxima 25 de febrero en el Teatroo Kodak de Los Ángeles.

En caso de ganarlo, serían ya tres las estatuillas que tendría Almodóvar en su poder ya que fue premiado con un galardón de la Academia de Hollywood por Todo sobre mi madre (Oscar a la mejor película de habla no inglesa) y otro por Hable con ella (Oscar Guión original 2002 y una nominación a mejor director)

(Aprovecho la ocasión para recuperar mi crítica sobre Volver publicada en mi anterior blog):

Regreso al pasado de Almodóvar

"Volver" es un regreso al pasado más brillante de Pedro Almodóvar. Un pasado en el que lo trágico se mezclaba con lo cómico de forma natural y sin estridencias. En la nueva película de Almodóvar, Penélope Cruz tiene motivos para preguntarse: "¿Qué he hecho yo para merecer esto?" (1984), genial obra del oscarizado director manchego que guarda muchas similitudes con "Volver".

Como en la anterior película, la muerte ha vuelto cobrar protagonismo en este nuevo filme así como la figura de la mujer todoterreno que debe saber desenvolverse en situaciones embarazosas. "Volver" es una inmersión en el universo femenino de los pueblos de España, un escenario rural donde las relaciones humanas son más profundas y cobran más importancia los secretos y las complicidades.

En cuanto a las interpretaciones, sorprende una Penélope Cruz que llega a emocionar y tampoco hay que menospreciar la calidad de Blanca Portillo (muy contenida, a diferencia de su papel en la serie 7 vidas) y Lola Dueñas. El personaje de Carmen Maura, por otra parte, aporta el punto cómico en la película.

Pero quizá el mayor acierto de Almodóvar en este filme es, a parte de la frescura y originalidad de su guión, la certera combinación entre lo trágico y lo cómico, porque el cine de Almodóvar pretende ser un reflejo de la vida, una vida como la de cualquiera en la que se entremezclan los momentos más nefastos con otros más cómicos o incluso que llegan al absurdo.

CINE ESPAÑOL RUMBO A LOS OSCARS

2006-09-25T14:57:00.000+02:00

Las películas candidatas para representar a España en la Gala de la Academia de Hollywood de 2007 son las siguientes:

"Volver" de Pedro Almodóvar
"Alatriste" de Agustín Díaz Yannes
"Salvador" de Manuel Huerga

El día 28 de Septiembre se hará pública la decisión definitiva fruto de una segunda votación, en la que los académicos españoles deberán elegir uno de estos tres filmes preseleccionados y que, según exige la Academia de Hollywood, tienen que haber sido estrenados entre el 1 de octubre de 2005 y el 30 de septiembre de 2006. Sin dudarlo ni un momento mi voto es para Volver (aunque no he visto las otras dos), la película que ha significado un retorno al mejor Almodóvar.

¿Cuál creéis que tiene más posibilidades de llevarse la codiciada estatuílla? Rod@ndo ha creado una encuesta para que podáis hacer vuestra apuesta personal. Sería interesante que a parte de votar en la encuesta, comentéis en este post el título de la posible ganadora y dos razones de vuestro voto. También podéis comentar cuál de las películas os gustaría que ganase un Oscar aunque objetivamente no tenga posibilidades...

PD: A ver si os animáis más a votar y me ponéis más difícil el análisis de los resultados... ;-p

Saludillos desde Rod@ndo!

RESULTADOS DE LA ENCUESTA: ¿Cuál crees que ha sido la película del verano?

2006-09-25T13:50:00.000+02:00

Después de analizar los resultados de la encuesta (tampoco me ha llevado mucho trabajo, la verdad sea dicha), he llegado a la conclusión de que los lectores de Rod@ndo consideran mayoritariamente (4 votos de 10) a Piratas del Caribe 2 como la película triunfadora del verano. Es cierto que la pregunta planteada en la encuesta era sumamente general por lo que no está muy claro si los lectores la han votado como mejor película (en cuanto a calidad) o como película más taquillera de la temporada...

En todo caso, parece que las aventuras del capitán Sparrow han desbancado a superhéroes como el mismísimo Superman (1 sólo voto), o al capitán Alatriste (que no ha recibido ningún voto).

Las dos películas más triunfadoras tras la segunda entrega de los Piratas del Caribe son la última creación de M. Shyamalan, La joven del agua (2 votos), y un thriller rural con aire español, La noche de los girasoles (2 votos). Ésta última, al ser española, sorprende con su buena situación en los resultados.

Silent Hill (0 votos), Desayuno en plutón (0 votos), y United 93 (1 voto) han sido junto con Alatriste (0 votos), las menos valoradas.

AVISO IMPORTANTE

2006-09-21T18:24:00.000+02:00

Esta noche a las 12 p.m se acaba el plazo para votar en la encuesta sobre la “película del verano“. Os animo a seguir votando hasta mañana. De momento parece que tenemos una ganadora absoluta: "Los Piratas del Caribe 2".

PD: Como no aparezcan más votos amenazo con sortear un jamón igual que Kid.A...

Por cierto, como lo prometido es deuda, aquí va un pequeño “acompañamiento” para el pastel que me regaló Mid para mi cumpleaños.

A vuestra salud!!!

Esta birrita simpática es para Mid, para que -ahora que no está pasando unos buenos días- se anime y se le ponga una sonrisa como la que siempre nos "muestra" en sus comentarios.

Y ahora una pequeña selección para tod@s los demás (disculparme los que no bebéis pero no diréis que no es tentador... ;-p):

Surtido de whisky gran reserva...(no me llegaba el presupuesto
para más que le vamos a
hacer....):

PD: Cuidadín! No os paséis mucho con los chupitos, que no quiero manchas en la moqueta el blog, que me acabo de mudar hace nada y es nueva!!!! ;-p

Saludos y besos varios desde Rod@ndo!

ESTRENOS DE LA SEMANA

2006-09-15T14:29:00.000+02:00

Para llorar...

NAVIDAD EN AGOSTO

El cine asiático está en alza. Así lo demuestra el creciente número de películas procedentes de esa nacionalidad que se cuela en nuestras carteleras. Navidad en agosto nos propone la triste historia de una enfermedad terminal. Y el dilema de callar o contárselo a nuestros allegados. Imagina por un momento que te quedan pocos días de vida. ¿Cómo te gustaría aprovechar esos últimos momentos? Jungwon (Han Seokkyu) sabe que le queda poco tiempo para seguir viviendo y se lo toma con resignación. Continúa con su rutina diaria en una tienda de fotografía hasta que se enamora de Darim (Shim Eunha).

El protagonista decide ocultarle a su amada que está a punto de morir. Y ella cada vez le reclama más muestras de su amor, de compromiso...Recuerda a Otoño en Nueva York, un dramón protagonizado por Richard Gere y Winona Ryder. También a Noviembre dulce (2002), en cuya historia la pareja en cuestión eran Charlize Theron y Keanu Reeves (recientemente lo pudimos ver en las pantallas con Sandra Bullock -su pareja en Speed- en el también drama romántico La casa del lago). Incluso tiene un aire a la obra más aclamada de Isabel Coixet, en la que protagonista (Sara Polley) también decide aprovechar al máximo sus últimos meses de vida, pero...¿Será Navidad en agosto una Mi vida sin mí a lo asiático?

¿Para reír...?

SEPARADOS

¿Qué ocurre cuando una pareja decide dejar su relación pero siguen viviendo juntos? Una anticomedia romántica en la que Jennifer Aniston y Vince Vaughn interpretan a una pareja que después de dos años de matrimonio descubre tras una crisis que su relación ha terminado. A partir de ese momento, ambos se declaran una guerra para intentar que sea el otro abandone el hogar...

Para los amigos...

UNA CASA EN EL FIN DEL MUNDO

Drama familiar basado en una novela premio Pulitzer del autor de "Las horas", obra que daría lugar a la película homónima progonizada por Julianne Moore y Nicole Kidman. Este film nos llega 2 años después de su estreno en Estados Unidos. Por lo visto, allí dividió completamente a la crítica.

Esta ópera prima de Michael Mayer narra 12 años en las vidas de dos buenos amigos con carácteres totalmente opuestos. Como actor destacado, la película cuenta con Colin Farrell (lo podemos ver la recién estrenada Corrupción en Miami) que interpreta a uno de los amigos. La historia transcurre desde los suburbios de Cleveland en los años 60 hasta el Nueva York de los 80, donde se introducirá en sus vidas una mujer mayor que ellos. ¿Podrán manejar este nuevo triángulo que han creado sin romper su amistad?

Para conocer mejor nuestra historia...

SALVADOR

El escritor y guionista Lluís Arcarazo narra en esta película la historia del ejecutado militante anarquista Salvador Puig Antich, una de las últimas víctimas del régimen franquista. La película, dirigida por Manuel Huerga es de algún modo el intento de recuperación de una parte de la historia de Cataluña que se había silenciado.

Los protagonistas de la historia son actores de sobra conocidos en el cine español: Daniel Brühl es Salvador Puig Antich, condenado a muerte por el asesinado de un guardia civil; Leonor Watling interpreta a Cuca, el gran amor de Salvador; Tristán Ulloa es Oriol, el abogado defensor de Salvador y Leonardo Sbaraglia es Jesús, el temible funcionario de prisiones que es asignado a la quinta galería donde coincide con Salvador.

Según Leonardo Sbaraglia, “Salvador era una persona profundamente humana y que lucha por un mundo más humano”.En palabras de su director, la película trata del “derecho y casi la obligación de los jóvenes a rebelarse y a cuestionar el orden establecido”